Después de cuatro años de intentos, finalmente pude visitar la histórica Maison Béjart en Bruselas, un lugar imprescindible para comprender una parte esencial de la historia de la danza contemporánea y, al mismo tiempo, un capítulo de enorme relevancia para las investigaciones que desarrolla AfroKuba sobre la presencia y el legado de los bailarines afrocubanos en el Ballet du XXe Siècle, la legendaria compañía fundada por Maurice Béjart.

Atravesar las puertas de esta casa, donde Béjart vivió, creó y concibió algunas de las obras más trascendentales de la danza del siglo XX, constituyó un momento profundamente emotivo. Recorrer sus salas, contemplar las fotografías, los documentos, los objetos personales y, sobre todo, permanecer en el estudio donde nacieron coreografías que hoy forman parte del patrimonio universal de la danza, fue un auténtico privilegio.

Para la historia de Cuba, este lugar posee además un significado especial. En sus espacios trabajaron y dejaron una huella imborrable destacados artistas cubanos como Jorge Lefebre, Julio Arozarena, Catherine Zuaznábar y Juan Enrique Jiménez, quienes posteriormente continuarían sus carreras en el Béjart Ballet Lausanne, cuando la compañía se trasladó a la ciudad suiza de Lausana.

Igualmente imprescindible resulta recordar a dos extraordinarios maestros y bailarines: Menia Martínez y el ruso-cubano Azari Plisetski, así como a la más universal de nuestras bailarinas, la mítica Loipa Araújo, figuras que integraron esta extraordinaria troupe de vanguardia que revolucionó la escena internacional durante la segunda mitad del siglo XX.

La visita también evocó la histórica relación de Maurice Béjart con Cuba. Su Ballet du XXe Siècle visitó La Habana, dejando una profunda impresión en varias generaciones de artistas cubanos. Según recordaba Pepe Coro, entonces jefe técnico de Danza Moderna de Cuba, el intercambio con los luminotécnicos de la compañía de Béjart aportó valiosas experiencias que posteriormente influyeron en los diseños de iluminación de obras emblemáticas como Sulkary y Okantomi, pilares de la danza moderna cubana.

La dimensión africana del pensamiento artístico de Maurice Béjart constituye otro aspecto esencial de su legado. Su vínculo con Senegal y la creación de la Escuela Mudra de Dakar evidenciaron su firme compromiso con el desarrollo de la danza en África. Por esa institución pasaron como maestros varios de los grandes artistas vinculados a Cuba, entre ellos Jorge Lefebre, Menia Martínez y Julio Arozarena, contribuyendo a la formación de nuevas generaciones de bailarines africanos.

Esta visita representa mucho más que un recorrido museístico. Es un reencuentro con una memoria compartida entre Europa, África y Cuba; una confirmación de que las trayectorias de nuestros artistas forman parte inseparable de la gran historia de la danza universal. Para Afrokuba, este espacio constituye una fuente imprescindible para continuar rescatando y difundiendo la extraordinaria contribución de los bailarines cubanos al movimiento internacional impulsado por Maurice Béjart.

Gracias, Maurice Béjart. Por abrir las puertas de una nueva concepción de la danza, por tender puentes entre culturas y continentes y porque, como tú mismo recordabas con orgullo, por tus venas también corría sangre senegalesa. Tu legado continúa inspirando a quienes creemos que la danza es, ante todo, un lenguaje universal capaz de unir pueblos, memorias e identidades.

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La Maison Béjart : un retour aux sources d’un héritage partagé

Professeur Miguel Ángel García Velasco

Après quatre années de démarches et de tentatives, j’ai enfin eu le privilège de visiter la mythique Maison Béjart à Bruxelles, un lieu incontournable pour comprendre une partie essentielle de l’histoire de la danse contemporaine et, en même temps, un espace fondamental pour les recherches menées par Afrokuba sur la présence et l’héritage des danseurs afro-cubains au sein du Ballet du XXe Siècle, la compagnie légendaire fondée par Maurice Béjart.

Franchir le seuil de cette demeure où Béjart a vécu, aimé, enseigné et créé plusieurs des œuvres majeures du XXᵉ siècle fut un moment d’une profonde émotion. Parcourir ses salles, admirer les photographies, les archives, les objets personnels, et surtout pénétrer dans le studio où sont nées des chorégraphies devenues aujourd’hui un patrimoine universel de la danse, représente un privilège exceptionnel.

Pour Cuba, cette maison possède une valeur historique toute particulière. C’est ici que travaillèrent et laissèrent leur empreinte de remarquables artistes cubains tels que Jorge Lefebre, Julio Arozarena, Catherine Zuaznábar et Juan Enrique Jiménez, qui poursuivront ensuite leur carrière au sein du Béjart Ballet Lausanne, après le transfert de la compagnie dans la ville suisse de Lausanne.

Il convient également de rendre hommage à deux immenses maîtres et danseurs, Menia Martínez et le danseur russo-cubain Azari Plisetski, sans oublier la plus universelle de nos ballerines, la légendaire Loipa Araújo, qui firent tous partie de cette extraordinaire troupe d’avant-garde ayant profondément marqué la danse internationale de la seconde moitié du XXᵉ siècle.

Cette visite ravive également le souvenir des liens historiques entre Maurice Béjart et Cuba. Son Ballet du XXe Siècle se produisit à La Havane, laissant une empreinte durable sur plusieurs générations d’artistes cubains. Selon Pepe Coro, alors chef technique de Danza Moderna de Cuba, les échanges avec les concepteurs lumière de la compagnie de Béjart constituèrent une source d’inspiration déterminante pour les créations lumineuses de chefs-d’œuvre tels que Sulkary et Okantomi, devenus des références majeures de la danse moderne cubaine.

La dimension africaine de la pensée artistique de Maurice Béjart constitue également un aspect essentiel de son héritage. Son engagement au Sénégal, avec la fondation de l’École Mudra Afrique à Dakar, témoigne de sa volonté de transmettre son savoir et de contribuer au développement de la danse sur le continent africain. Plusieurs artistes cubains liés à son œuvre, parmi lesquels Jorge Lefebre, Menia Martínez et Julio Arozarena, y enseignèrent, participant ainsi à la formation de nouvelles générations de danseurs africains.

Cette visite dépasse largement le cadre d’une simple découverte muséale. Elle représente un retour aux sources d’une mémoire commune entre l’Europe, l’Afrique et Cuba, ainsi qu’une confirmation que les parcours de nos artistes appartiennent pleinement à l’histoire universelle de la danse. Pour Afrokuba, la Maison Béjart constitue désormais une étape incontournable dans le travail de sauvegarde et de valorisation de la contribution exceptionnelle des danseurs cubains à l’œuvre de Maurice Béjart et à l’histoire mondiale de la danse.

Merci, Maurice Béjart. Merci d’avoir ouvert de nouveaux horizons à l’art chorégraphique, d’avoir construit des ponts entre les cultures et les continents, et parce que, comme vous l’affirmiez avec fierté, du sang sénégalais coulait aussi dans vos veines. Votre héritage continue d’inspirer tous ceux qui considèrent la danse comme un langage universel, capable d’unir les peuples, les mémoires et les identités.

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Uno de los momentos de mayor intensidad espiritual y simbólica de la Peregrinación Mundial dedicada a Sakpata fue el ascenso colectivo hacia el sitio sagrado donde, según la tradición preservada por sus sacerdotes y comunidades de culto, se encuentra la manifestación originaria de esta gran divinidad.

Consagrados, sacerdotes, adeptos, cabezas coronadas, miembros de las comunidades tradicionales y público en general emprendieron el ascenso entre las rocas de las colinas sagradas de Dassa-Zoumé, convirtiendo el recorrido en un verdadero acto de peregrinación. No se trataba simplemente de alcanzar un lugar geográfico: cada paso hacia las alturas adquiría el sentido de una aproximación al espacio ancestral y espiritual de Sakpata.

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Al llegar al reservorio sagrado donde se encuentra la divinidad, su pueblo le rindió pleitesía mediante las diferentes ceremonias religiosas establecidas por la tradición. En aquel extraordinario entorno natural, rodeado por las enormes formaciones rocosas de las colinas, los peregrinos elevaron sus invocaciones, plegarias y peticiones, implorando a Sakpata protección, salud, bienestar y continuidad para sus familias y comunidades.

La dimensión religiosa estuvo estrechamente acompañada por la música y la danza. Diferentes agrupaciones músico-danzarias ofrecieron cantos, ritmos y danzas de alabanza, no solamente a Sakpata, sino también a las distintas divinidades que integran y acompañan su universo ceremonial. El sonido de los instrumentos, las voces y el movimiento de los cuerpos transformaron el espacio entre las rocas en un escenario ritual vivo, donde naturaleza, espiritualidad, memoria y comunidad parecían fundirse.

Uno de los aspectos que más profundamente me impresionó fue comprobar la extraordinaria presencia de jóvenes y niños dentro de estas prácticas tradicionales. Lejos de encontrarnos ante una tradición destinada a desaparecer, pudimos observar una nueva generación profundamente implicada en su preservación y transmisión.

Jóvenes consagrados y adeptos participaron con entusiasmo, disciplina y dedicación en las ceremonias, los cantos y las danzas. Particularmente conmovedora resultó la participación de los niños, quienes ejecutaron de manera espectacular las músicas que acompañaron las danzas de los Vodun, demostrando desde edades tempranas un sorprendente dominio del lenguaje rítmico y ceremonial.

Esta presencia infantil y juvenil constituye quizá una de las imágenes más esperanzadoras de toda la peregrinación: el relevo generacional está asegurado. Los conocimientos no permanecen únicamente en manos de los mayores, sino que continúan circulando y transmitiéndose mediante la práctica, la observación, la participación comunitaria y la experiencia ritual.

Ante nuestros ojos se manifestó así una tradición viva, dinámica y profundamente arraigada en su territorio.

Entre las colinas, las rocas, los cantos, las percusiones y los cuerpos de los Vodun danzando, pudimos contemplar una expresión de una belleza bruta y extraordinaria, difícil de separar del paisaje ancestral que le da sentido.

La peregrinación al sitio originario de Sakpata fue, por tanto, mucho más que una ceremonia religiosa: constituyó un encuentro entre territorio, ancestralidad, espiritualidad, música, danza y transmisión generacional. Un pueblo ascendiendo hacia su divinidad y, al mismo tiempo, una nueva generación descendiendo de aquellas colinas portando consigo una herencia que está decidida a mantener viva.

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Mi visita al Templo Oju Agba de Dassa-Zoumé, con motivo de la celebración del Peregrinaje Mundial de Orisha Kpata (Sakpata) 2026, constituyó uno de los momentos más intensos y significativos de mi recorrido por Benín.

Este lugar no se presenta únicamente como un espacio consagrado al culto. Constituye también un verdadero lugar de memoria, donde convergen la historia religiosa, la transmisión familiar y sacerdotal, la iconografía sagrada y unas prácticas ceremoniales que continúan plenamente vivas.

Las pinturas murales que rodean el espacio ceremonial testimonian esa profundidad histórica. En ellas pueden leerse, entre otros, los nombres de Togbe Ekoue-Bla Kounededji y Le Sare Balogoun Avounmanlekpon, inscribiendo visualmente a figuras vinculadas con la autoridad y la memoria del lugar. Otra inscripción situada sobre el espacio principal menciona la fecha del 15 de diciembre de 1979, referencia histórica cuyo significado preciso merece ser profundizado a través de la memoria oral de los propios dignatarios del templo.

El encuentro con Balogoun y OBA Oju Agba

Mi encuentro con los principales responsables del templo tuvo para mí una significación muy especial. Pude compartir directamente con Balogoun Avounmanlekpon y su hijo, OBA Oju Agba, representantes de una continuidad sacerdotal que enlaza a las generaciones precedentes con los actuales custodios del santuario.

No se trataba simplemente de conocer un espacio religioso. Como investigador y realizador dedicado durante muchos años a documentar las culturas africanas y sus prolongaciones en la diáspora cubana, me encontraba ante depositarios vivos de una memoria ancestral.

Los murales, los asientos de autoridad, los objetos ceremoniales y la propia organización del recinto forman parte de ese patrimonio. Pero, por encima de ellos, son las personas, sus conocimientos, sus palabras, sus gestos, sus cantos y sus ceremonias quienes mantienen viva la tradición.

Las alabanzas a Sakpata y a las divinidades que lo acompañan

Uno de los momentos más sublimes de nuestra estancia se produjo cuando se rindió pleitesía y homenaje ritual a Sakpata, pero también a otras divinidades que forman parte de este universo espiritual y ceremonial, entre ellas Hêviosso.

Fue entonces cuando comenzaron a elevarse los cantos de alabanza.

Las voces estuvieron acompañadas por un conjunto de cencerros y campanas metálicas de diferentes tamaños, cuyos distintos registros sonoros se entrelazaban creando una extraordinaria atmósfera ritual. No era simplemente un acompañamiento musical: palabra, canto, ritmo, movimiento y devoción se integraban en una misma expresión ceremonial.

Pero hubo un elemento que hizo aquel instante todavía más emocionante y significativo: quienes ejecutaban buena parte de estos instrumentos pertenecían a una nueva generación de hijos y herederos espirituales de Sakpata.

Ante mis ojos no se estaba representando simplemente una tradición antigua.

Se estaba transmitiendo.

Los jóvenes aprendían y reproducían los ritmos, los cantos, los gestos y los códigos ceremoniales heredados de quienes los habían precedido. Dejaban así de ser simples espectadores del patrimonio de sus mayores para convertirse progresivamente en sus nuevos depositarios y continuadores.

Fue uno de esos momentos en los que la observación etnográfica adquiere una dimensión profundamente humana. Aquellos jóvenes tocando sus instrumentos junto a sus mayores constituían la demostración más evidente de que esta cultura religiosa no permanece inmóvil ni pertenece únicamente al pasado.

El relevo está asegurado.

Entre África y Cuba: una memoria que atraviesa el Atlántico

Para mí, esta experiencia posee además una dimensión profundamente afrodiaspórica.

Contemplar en Dassa-Zoumé los cantos, los ritmos, los gestos y las formas de transmisión asociados a Sakpata conduce inevitablemente a reflexionar sobre las transformaciones experimentadas por estas herencias africanas después de la dolorosa travesía atlántica.

En Cuba, diferentes comunidades preservaron, transformaron y reinterpretaron durante siglos memorias religiosas procedentes del continente africano. Algunas de ellas sobrevivieron mediante los cantos, los tambores, la danza, la oralidad y las prácticas rituales transmitidas de generación en generación.

Mi presencia en el Templo Oju Agba me permitió, por tanto, confrontar esa memoria afrocubana —que he estudiado y documentado durante años— con tradiciones africanas que continúan vivas en sus propios territorios históricos.

Ese constituye precisamente uno de los sentidos más profundos de este viaje: regresar a las fuentes, escuchar a quienes hoy las custodian y establecer un diálogo entre las memorias africanas y afrocubanas.

Una tradición que mira hacia el futuro

El Templo Oju Agba de Dassa-Zoumé aparece así ante mis ojos no solamente como un santuario dedicado a Sakpata, sino como un espacio donde memoria, espiritualidad, música, familia y transmisión intergeneracional continúan formando un conjunto inseparable.

Mi encuentro con Balogoun Avounmanlekpon, con su hijo OBA Oju Agba, con los sacerdotes y, especialmente, con esta nueva generación de hijos de Sakpata, constituye un testimonio privilegiado de la vitalidad de esta tradición.

Cuando las voces de los mayores se unen a las voces de los jóvenes; cuando los cantos de alabanza se encuentran con el sonido de los cencerros; cuando Sakpata y las divinidades que lo acompañan vuelven a ser invocados por una generación que aprende de la anterior, comprendemos que no estamos solamente ante la preservación de una herencia.

Estamos ante la continuidad de una memoria viva.

Porque cuando una nueva generación aprende a cantar, tocar, escuchar y respetar aquello que recibió de sus mayores, la tradición deja de pertenecer únicamente al pasado y se convierte también en futuro.

Dassa-Zoumé, Benín — julio de 2026

٭Prof. Miguel Ángel García Velasco

Director-fundador del Proyecto Etnovisual AfroKuba

Investigador y realizador audiovisual.

Príncipe de Sakpata del Reino de Savalou.

Embajador del Reino de Savalou ante la República de Cuba.

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Por Miguel Ángel García Velasco / Fotos: Redacción AfroKuba

Recientemente, Yasmeani Salas, representante de AfroKuba en Santiago de Cuba, hizo entrega del diploma acreditativo correspondiente al Premio Especial CUBADISCO 2026, otorgado al investigador y etnomusicólogo audiovisual Miguel Ángel García Velasco, director del proyecto etnovisual AfroKuba, en conjunto con el Museo Nacional de la Música, por la producción discográfica dedicada a la gran cultora del franco-haitiano cubano, Berta Armiñán Linares.

La ceremonia constituyó un emotivo reconocimiento a la trayectoria artística y cultural de la Maestra Armiñán, figura central de las investigaciones etnoaudiovisuales desarrolladas durante años por AfroKuba para la preservación y difusión de una de las expresiones más auténticas del patrimonio musical del oriente cubano.

Durante el encuentro, la destacada artista estuvo acompañada por su sobrina, Odalys Armiñan Debroh, cantante y bailarina que participó activamente en la realización de este fonograma y que se perfila como la continuadora natural de este invaluable legado artístico y cultural.

Este reconocimiento reafirma la importancia de preservar y visibilizar las tradiciones musicales de raíz franco-haitiana, patrimonio vivo de la nación cubana y expresión de la memoria histórica de nuestras comunidades.

AfroKuba y el Museo Nacional de la Música continúan comprometidos con la investigación, documentación y salvaguarda de las culturas de matriz africana en Cuba.

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Existen momentos en la vida de un investigador en los que el trabajo acumulado durante años adquiere una dimensión que trasciende lo personal para convertirse en un acto de preservación patrimonial. Uno de esos momentos tuvo lugar durante mi reciente visita a la Colección Gladys Palmera, en San Lorenzo de El Escorial, España, considerada una de las más importantes reservas documentales privadas dedicadas a la música afrolatina, afrocaribeña y especialmente a la música cubana.

La ocasión tuvo un significado muy especial. En nombre del Proyecto Etnovisual Afrokuba y como colaborador del Museo Nacional de la Música de Cuba, hice entrega oficial de mi primer fonograma como productor discográfico: Lo mejor de Berta Armiñán, obra reconocida con el Premio Especial de Investigación en Cubadisco 2026. Junto al disco fue depositada una copia del Diploma acreditativo de este importante reconocimiento, obtenido por la labor de investigación, documentación y salvaguarda de la tradición musical franco-haitiana desarrollada durante varios años alrededor de la figura de Berta Armiñán Linares.

La entrega posee un valor singular por varias razones.

En primer lugar, porque se trata del primer fonograma dedicado íntegramente a la música franco-haitiana cubana que ingresa en los fondos de esta prestigiosa colección internacional. Ello representa la incorporación de una expresión musical fundamental del oriente cubano a un archivo de referencia mundial para investigadores, musicólogos, documentalistas y amantes de la música latinoamericana.

En segundo lugar, porque constituye un hecho poco común dentro de la dinámica de conformación de grandes archivos y colecciones patrimoniales: la entrega directa de la obra por parte de su productor e investigador. No se trata únicamente del depósito de un documento sonoro, sino de la transmisión de una experiencia de investigación y de una historia humana vinculada a la preservación de una tradición cultural viva.

Este acto adquiere una dimensión aún mayor si se considera que Lo mejor de Berta Armiñán es el resultado de un proceso de rescate patrimonial que permitió registrar profesionalmente a una de las máximas exponentes de la canción franco-haitiana en Cuba cuando contaba ya con 83 años de edad. La grabación constituye, por tanto, un documento excepcional de memoria viva, donde convergen la tradición oral, la herencia cultural de los descendientes haitianos en Cuba y la resistencia de una manifestación artística que durante décadas permaneció insuficientemente documentada.

Durante la visita tuve además la oportunidad de mostrar el Premio Especial de Investigación otorgado por Cubadisco 2026, reconocimiento que distingue no solo la calidad artística del fonograma, sino también el esfuerzo investigativo desarrollado para documentar una zona poco explorada del patrimonio musical cubano.

La Colección Gladys Palmera conserva miles de discos, fotografías, partituras, publicaciones especializadas, carteles y documentos relacionados con las músicas de América Latina y el Caribe. La presencia de este fonograma dentro de sus fondos asegura que la obra de Berta Armiñán y la tradición franco-haitiana cubana puedan ser consultadas y estudiadas por futuras generaciones de investigadores de todo el mundo.

Para el Proyecto Etnovisual Afrokuba, institución dedicada desde 2008 al rescate audiovisual de las culturas afrocubanas y afrodiaspóricas, este acontecimiento representa un nuevo paso en la visibilización internacional de aquellas expresiones musicales que durante mucho tiempo permanecieron alejadas de los grandes circuitos de difusión y estudio.

Más allá del valor documental del gesto, la entrega simboliza un encuentro entre dos misiones complementarias: la de quienes investigan, registran y preservan la memoria cultural en el terreno, y la de quienes la custodian para las generaciones futuras.

La voz de Berta Armiñán, nacida en las comunidades franco-haitianas del oriente cubano, ha llegado ahora a uno de los archivos musicales más importantes del mundo. Con ella llegan también las historias, los cantos, los recuerdos y la memoria de una comunidad cuya contribución a la cultura cubana merece ocupar un lugar destacado dentro del patrimonio musical universal.

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El nuevo espacio multidisciplinario Estudio 50 acogió recientemente la presentación de Crucigrama, working in progress del coreógrafo cubano Norge Cedeño, una propuesta que formará parte de una obra mayor que, según adelantó su creador, llevará por título Puzzle.

La muestra tuvo lugar ante un auditorio integrado por destacadas figuras de la danza cubana, entre ellas el Premio Nacional de Danza Santiago Alfonso y Susana Pous, directora de MICOMPAÑIA, así como otros creadores, investigadores y especialistas vinculados al panorama coreográfico nacional, lo que convirtió la presentación en un espacio de observación y diálogo particularmente significativo.

Más que una obra concluida, Crucigrama se reveló como un laboratorio de ideas en movimiento. Desde su propio título, la pieza sugiere la existencia de múltiples trayectorias de lectura, de encuentros y desencuentros entre cuerpos, memorias y símbolos que buscan articular un sentido común sin renunciar a la fragmentación. El escenario se convierte así en un territorio de interrogantes donde cada gesto parece funcionar como una palabra incompleta dentro de una estructura mayor aún en proceso de revelación.

En esta primera aproximación pueden advertirse algunas de las preocupaciones que han acompañado la trayectoria creativa de Norge Cedeño: la exploración de la identidad contemporánea, las tensiones entre individuo y colectividad, así como la búsqueda de nuevas arquitecturas del movimiento capaces de dialogar con la complejidad emocional de nuestro tiempo. El cuerpo aparece como un espacio de escritura donde las acciones, lejos de ofrecer respuestas definitivas, abren caminos de interpretación.

Resulta particularmente sugerente que el creador haya concebido Crucigrama como parte de una futura obra titulada Puzzle. La relación entre ambos conceptos no parece casual. Si el crucigrama propone el desafío de encontrar conexiones ocultas entre signos dispersos, el rompecabezas implica la construcción de una imagen total a partir de fragmentos aparentemente inconexos. En ambos casos emerge una reflexión sobre la necesidad de recomponer sentidos en una época marcada por la dispersión y la incertidumbre.

La atmósfera íntima y experimental de Estudio 50 favoreció una recepción cercana de la propuesta, permitiendo apreciar los procesos de búsqueda que habitan la creación antes de alcanzar su forma definitiva. Precisamente ahí radicó uno de los mayores valores de la presentación: compartir con el público no solo una obra, sino también las preguntas, riesgos y desafíos que acompañan el acto creativo.

Crucigrama deja la impresión de estar ante una investigación coreográfica que apuesta por el pensamiento en movimiento y por la construcción de una dramaturgia abierta, donde cada fragmento conserva su autonomía sin perder la posibilidad de integrarse a un discurso mayor. Habrá que esperar el desarrollo de Puzzle para descubrir la imagen completa; sin embargo, este adelanto confirma que la búsqueda artística de Norge Cedeño continúa transitando territorios de experimentación y profundidad conceptual dentro del panorama de la danza cubana contemporánea.

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La provincia de Santiago de Cuba acogerá el I Simposio Danilo Orozco In Memoriam, un espacio de reflexión académica y cultural dedicado a las prácticas soneras, declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, y a la figura de Nené Manfugás. El evento reunirá a investigadores, músicos y especialistas que explorarán las múltiples dimensiones históricas, sociales y estéticas del Son cubano.

En este contexto, sobresale la participación del proyecto etnovisual AfroKuba, que aportará una perspectiva interdisciplinaria al estudio de las raíces culturales del género. El viernes 8 de mayo a las 12:30 p.m., los investigadores Miguel Ángel García Velasco y Yasmeani Salas Borrero presentarán la ponencia “Del canto franco haitiano al Son: Bertha Armiñán”, una propuesta que conecta la memoria sonora con herramientas audiovisuales contemporáneas.

La inclusión de AfroKuba en el programa subraya la relevancia de los enfoques etnográficos y visuales en la investigación musical actual, destacando cómo las herencias afrocaribeñas continúan modelando la identidad sonora del Caribe. Su trabajo se posiciona como un puente entre tradición y nuevas narrativas, enriqueciendo el debate académico del simposio.

El evento, organizado por diversas instituciones culturales cubanas, contará además con conferencias, paneles y presentaciones que abordan desde los inicios del Son en la industria fonográfica hasta sus expresiones contemporáneas y su impacto en las redes sociales.

El I Simposio Danilo Orozco In Memoriam se consolida así como una plataforma clave para el intercambio de saberes y la preservación del patrimonio musical cubano, donde propuestas como AfroKuba amplían los horizontes de investigación y visibilizan la riqueza de las raíces culturales afrodescendientes en la música.

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A propósito del concierto Rompiendo la rutina de la de la Zurich Jazz Orchestra  en el reconocido club Moods con la participación especial del trompetista cubano Yasek Manzano, conversamos con este importante músico cubano, trompetista y compositor. Dotado de un virtuosismo reconocido dentro y fuera de Cuba, Manzano nació en La Habana y es una referencia en el mundo del jazz.

¿Quién es Yasek Manzano?

Yo creo que soy una combinación de muchas cosas y la música y el arte tienen un papel fundamental en la manera en que vivo mi vida. Lo digo desde el plano de la creatividad, desde la libertad, el crecimiento espiritual y en el plano de esa búsqueda constante.

Yo creo que Yasek Manzano es el avatar de un espíritu que está en búsqueda constantemente, procesando información y devolviéndola de una manera muy personal, de una manera muy particular, de una manera muy individual también, siempre con la intención de compartir y de conectar con otros artistas, con el público, con la naturaleza. Y, por supuesto, más que nada, conmigo mismo.

¿Por qué la trompeta?

La trompeta es solo una herramienta, un instrumento vigoroso, muy conectado a la historia de mi país y por supuesto está conectado a mi identidad como caribeño, cubano y muy conectado a la historia de todos los grandes trompetistas que han compartido escenas, de los que han surgido en mi país y de esos grandes que han llegado por información a través de discos.

La primera vez que escuché una trompeta que me estremeció, que me hizo desear hacer lo mismo como trompetista fue escuchando a Maynard Ferguson, luego de eso escuché Dizzy Gillespie, Arturo Sandoval. Fui conociendo a otros como Woody Shaw, Freddie Hubbard…

Cuando conocí al trompetista Bobby Carcassés, El Showman de Cuba, me introdujo dentro del jazz. Digamos que él ha sido mi descubridor en ese sentido. La trompeta es un instrumento que necesita aire y el aire es algo que viene, es el aliento. La trompeta tiene mucha simbología en la religión, en varias religiones, y es un instrumento que tiene esa característica por ser tan vigoroso. Siempre está estableciendo un llamado y el viento está implícito, es decir, es un elemento importante de la naturaleza y también simboliza un poco el alma.

La trompeta es un instrumento con el cual puedes desarrollar sonoridades muy diversas y puedes establecer muchos colores como espejos de ti mismo, a través de la expresión, de la improvisación, de la interpretación.

A mi me atraen los instrumentos de viento metal y hace dos años que estoy estudiando y tocando trombón, ya es parte de mi show el trombón clásico. Estoy estudiando tubas, corno francés… Todos los instrumentos de aliento para mi son fundamentales y busco otras sonoridades más oscuras como los instrumentos de viento metal graves.

Yo soy seguidor de muchos trombonistas, tuve la suerte también de tocar con Steve Turre; con el proyecto del Latin Jazz Hostal del maestro Orlando Valle, “Maraca”. Ese instrumento me fascinó y ahora pienso crear mi propia sonoridad y estoy estudiando seriamente para lograr tocar profesionalmente este instrumento.

¿Cómo sentiste la inclusión en este proyecto del Orquesta Jazz de Zurich?

Yo creo que es el factor de lo que pudo haber faltado. Es algo que yo pongo implícito en la manera en que puede desarrollar y crecer este proyecto. Por eso no veo carencia alguna en el repertorio que tocamos y la manera en que ellos abordaron nuestra música y la música brasileña también, que está implícita entre los arreglos que se presentaron. Creo que sí, podría decir, más que faltar, implementar o agregar algo serían partes de mis composiciones personales, con mi estilo cubano, dentro de las próximas presentaciones con la big band que parece que pueden ser muy posibles. Ya tengo la convocatoria para las próximas oportunidades y estoy contento por esa oportunidad, muy agradecido por lo que sucedió, por la invitación.

Ya hay proyectos, se está hablando informalmente de hacer arreglos de big band en mis propias composiciones y eso sería genial porque ya yo tengo mi sonoridad y creo que podría aportar algo también dentro del repertorio de esta emblemática orquesta de Jazz de Zurich. Creo que hicieron un excelente trabajo con la música cubana se sintió el sabor, se sintió además el músico que está muy entrenado por nuestros propios profesionales y artistas tanto profesionales como de la calle que eso es muy importante decirlo. Son músicos con un talento extraordinario con una capacidad increíble de interpretación en cualquier estilo y demostraron que pueden tocar la música cubana muy bien y eso es algo que se ve en los músicos también de la big band.

Creo que se puede incluir repertorios más complejos, más concretos, en la dirección del jazz contemporáneo cubano, porque se tocaron más estándares y clásicos de grandes compositores como el mismo Arturo, pero sería muy lindo también eso. Creo que hay una mentalidad muy abierta en ese sentido y hay un swing tremendo y muy buena vibra con la música cubana y hay una muy buena energía entre los mismos músicos. Se nota que es una orquesta que está establecida en el nivel profesional, pero también en el nivel de familia, son toda una familia y me sentí como invitado a la casa y eso para mí es un recuerdo que voy a guardar siempre y es un sueño también que he podido realizar y poder tocar con esta orquesta, con este alto nivel aquí en Suiza, estoy súper feliz por eso.

¿Es la primera vez que tocabas en el Moods?

Esta es la tercera vez que toco. La primera vez había tocado, creo que por casualidad, no sé si en un jam session o fue la segunda pero hice un concierto oficial con César Correa, un pianista excepcional también peruano, radicado aquí en Suiza.

Yasek Manzano: “I Am a Spirit in Constant Search”

By Prof. Miguel Ángel García Velasco

On the occasion of the concert Breaking the Routine by the Zurich Jazz Orchestra at the renowned Moods club, featuring special guest Cuban trumpeter Yasek Manzano, we spoke with this important Cuban musician, trumpeter, and composer. Endowed with virtuosity recognized both inside and outside Cuba, Manzano was born in Havana and is a reference in the world of jazz.

Who is Yasek Manzano?

I think I am a combination of many things, and music and art play a fundamental role in the way I live my life. I say this from the perspective of creativity, freedom, spiritual growth, and that constant search.

I believe Yasek Manzano is the avatar of a spirit that is constantly searching, processing information and giving it back in a very personal, very particular, very individual way—always with the intention of sharing and connecting with other artists, with the audience, with nature. And, above all, with myself.

Why the trumpet?

The trumpet is just a tool, a powerful instrument, deeply connected to the history of my country and, of course, to my identity as a Caribbean, as a Cuban. It is also strongly tied to the history of all the great trumpeters who have shared stages—those who emerged in my country and those great ones I discovered through recordings.

The first time I heard a trumpet that moved me, that made me want to do the same as a trumpeter, was when I listened to Maynard Ferguson. After that, I listened to Dizzy Gillespie, Arturo Sandoval. I kept discovering others like Woody Shaw, Freddie Hubbard…

When I met the trumpeter Bobby Carcassés, the Showman of Cuba, he introduced me to jazz. Let’s say he was my discoverer in that sense. The trumpet is an instrument that needs air, and air is something that comes—it is breath. The trumpet has a lot of symbolism in religion, in several religions, and it has that quality because it is so powerful. It is always making a call, and wind is implicit—it is an important element of nature and also symbolizes the soul.

The trumpet is an instrument through which you can develop very diverse sounds and create many colors as reflections of yourself, through expression, improvisation, and interpretation.

I am attracted to brass wind instruments, and for the past two years I have been studying and playing the trombone—it is now part of my show, the classical trombone. I am studying tubas, French horn… All wind instruments are fundamental to me, and I seek darker sounds such as those of low brass instruments.

I follow many trombonists, and I also had the chance to play with Steve Turre, in the Latin Jazz Hostel project led by maestro Orlando Valle, “Maraca.” That instrument fascinated me, and now I plan to create my own sound. I am seriously studying it in order to play it professionally.

How did you feel about being included in this Zurich Jazz Orchestra project?

I think it is the factor of what might have been missing—something I naturally bring into the way this project can develop and grow. That’s why I don’t see any lack in the repertoire we performed, or in how they approached our music and Brazilian music as well, which was part of the arrangements presented. If anything, rather than something missing, I would add elements from my own compositions, with my Cuban style, in future performances with the big band—which seem very possible. I have already been invited for future opportunities, and I am happy and very grateful for what happened.

There are already projects being discussed informally about arranging my own compositions for big band, and that would be wonderful because I already have my own sound, and I believe I could contribute something to the repertoire of this emblematic Zurich Jazz Orchestra.

I think they did an excellent job with Cuban music—you could feel the flavor. You could also feel that these are musicians who are very well trained by our own professionals and artists, both formally trained and street musicians, which is important to say. They are musicians with extraordinary talent and incredible ability to interpret any style, and they proved they can play Cuban music very well. That is something you also see in the big band musicians.

I think more complex and more specific repertoire could be included, in the direction of contemporary Cuban jazz. What was played leaned more toward standards and classics by great composers like Arturo, but it would also be very nice to expand in that direction. I think there is a very open mindset, a tremendous swing, and great energy with Cuban music. There is also a wonderful energy among the musicians themselves. You can tell it is an orchestra established not only at a professional level but also as a family—they are truly a family. I felt like a guest in their home, and that is something I will always remember. It is also a dream I have fulfilled—to play with this orchestra at such a high level here in Switzerland. I am extremely happy about that.

Was it your first time playing at Moods?

This is the third time I have played there. The first time, I think it was by chance—I’m not sure if it was at a jam session. The second time—or perhaps that was the second—I did an official concert with César Correa, an exceptional Peruvian pianist based here in Switzerland.

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La Zurich Jazz Orchestra presentó en el reconocido club Moods el concierto Rompiendo la rutina, una propuesta artística que trasciende el formato de big band para convertirse en una experiencia sonora de alcance transatlántico.

Con la participación especial del trompetista cubano Yasek Manzano, el programa articuló un recorrido musical que conectó tradiciones afrobrasileñas, el jazz moderno estadounidense, la riqueza rítmica cubana y la creación contemporánea europea.

El repertorio incluyó obras emblemáticas como Canto de Xangô, de Baden Powell y Vinicius de Moraes, así como Estamos Aí, de Durval Ferreira, piezas que evocan la profundidad espiritual y musical de las culturas afrobrasileñas.

A su vez, la interpretación de Moment’s Notice, de John Coltrane situó al público en el núcleo del jazz moderno, destacando su complejidad estructural y su dimensión expresiva.

La presencia de Yasek Manzano aportó una perspectiva contemporánea del jazz cubano, donde la improvisación dialoga con las raíces afrocubanas, consolidando un puente vivo entre tradición y modernidad.

El concierto se completó con composiciones originales y arreglos contemporáneos que reflejan el papel de la Zurich Jazz Orchestra como plataforma de innovación dentro del panorama europeo.

Rompiendo la rutina se configura así como una propuesta que no solo rompe con la repetición musical, sino que redefine el concierto como espacio de encuentro entre memorias culturales, lenguajes sonoros y territorios históricos.

Breaking the Routine: Zurich Jazz Orchestra builds a sonic bridge between Africa, the Americas and Europe at Moods Zürich

The Zurich Jazz Orchestra presented at the renowned Moods jazz club the concert Breaking the Routine, an artistic proposal that transcends the big band format to become a transatlantic musical experience.

Featuring Cuban trumpeter Yasek Manzano as special guest, the program offered a musical journey connecting Afro-Brazilian traditions, modern American jazz, Cuban rhythmic heritage, and contemporary European creation.

The repertoire included emblematic works such as Canto de Xangô by Baden Powell and Vinicius de Moraes, as well as Estamos Aí by Durval Ferreira—pieces that evoke the spiritual and musical depth of Afro-Brazilian cultures. The performance of Moment’s Notice by John Coltrane placed the audience at the core of modern jazz, highlighting its structural complexity and expressive power.

Yasek Manzano’s presence brought a contemporary Cuban jazz perspective, where improvisation dialogues with Afro-Cuban roots, establishing a living bridge between tradition and modernity.

The concert was completed with original compositions and contemporary arrangements, underscoring the Zurich Jazz Orchestra’s role as an innovative platform within the European jazz scene.

Breaking the Routine ultimately emerges as a proposal that not only challenges musical repetition, but also redefines the concert as a space where cultural memory, sonic languages, and historical territories converge.

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La historia cultural cubana está llena de paradojas; una de las más elocuentes es que Berta Armiñan Linares, octogenaria dama de la canción franco-haitiana y verdadera enciclopedia viviente de la memoria musical oriental, no hubiese contado hasta hoy con un fonograma propio que fijara su legado.

Mi encuentro personal con ella, hace casi tres años, en su habitación sobria dentro de un solar de la icónica calle Enramada, en Santiago de Cuba, fue tan revelador como conmovedor. Allí, en ese espacio mínimo y esencial, habitaba una figura mayor de nuestra cultura: fundadora del Folklórico de Oriente, referente insoslayable del histórico Cutumba, y pilar indispensable de la tradición franco-haitiana en Cuba. La ausencia de un registro discográfico resultaba, sencillamente, inconcebible.

Impulsado por esa certeza —y por una emoción que solo puede definirse como amor a primera vista— asumí el compromiso de producir un disco que recogiera una parte sustantiva de su historia musical. El resultado provisional es este fonograma titulado Lo mejor de Berta Armiñan, que reúne piezas emblemáticas de la cultura recreada y resignificada en el oriente cubano a partir de las oleadas haitianas llegadas a nuestras costas, y que hoy forman parte indisoluble del patrimonio sonoro de la nación.

Mensaje de Miguel Ángel García Velasco a la intérprete Berta Armiñán

Este disco no pretende clausurar una obra; es apenas un primer paso, un acto de justicia y de afecto. Nace de una relación profundamente humana y simbólica: Berta, mi Reina africana, me adoptó como uno de los suyos; yo, a su vez, me asumí como guardián de su voz y su memoria.

Mensaje de la intérprete Berta Armiñán

Enhorabuena, Bertica. Tu canto —por fin— queda sembrado para el tiempo.

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