Por Miguel Ángel García Velasco / Fotos: Redacción AfroKuba

Recientemente, Yasmeani Salas, representante de AfroKuba en Santiago de Cuba, hizo entrega del diploma acreditativo correspondiente al Premio Especial CUBADISCO 2026, otorgado al investigador y etnomusicólogo audiovisual Miguel Ángel García Velasco, director del proyecto etnovisual AfroKuba, en conjunto con el Museo Nacional de la Música, por la producción discográfica dedicada a la gran cultora del franco-haitiano cubano, Berta Armiñán Linares.

La ceremonia constituyó un emotivo reconocimiento a la trayectoria artística y cultural de la Maestra Armiñán, figura central de las investigaciones etnoaudiovisuales desarrolladas durante años por AfroKuba para la preservación y difusión de una de las expresiones más auténticas del patrimonio musical del oriente cubano.

Durante el encuentro, la destacada artista estuvo acompañada por su sobrina, Odalys Armiñan Debroh, cantante y bailarina que participó activamente en la realización de este fonograma y que se perfila como la continuadora natural de este invaluable legado artístico y cultural.

Este reconocimiento reafirma la importancia de preservar y visibilizar las tradiciones musicales de raíz franco-haitiana, patrimonio vivo de la nación cubana y expresión de la memoria histórica de nuestras comunidades.

AfroKuba y el Museo Nacional de la Música continúan comprometidos con la investigación, documentación y salvaguarda de las culturas de matriz africana en Cuba.

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Existen momentos en la vida de un investigador en los que el trabajo acumulado durante años adquiere una dimensión que trasciende lo personal para convertirse en un acto de preservación patrimonial. Uno de esos momentos tuvo lugar durante mi reciente visita a la Colección Gladys Palmera, en San Lorenzo de El Escorial, España, considerada una de las más importantes reservas documentales privadas dedicadas a la música afrolatina, afrocaribeña y especialmente a la música cubana.

La ocasión tuvo un significado muy especial. En nombre del Proyecto Etnovisual Afrokuba y como colaborador del Museo Nacional de la Música de Cuba, hice entrega oficial de mi primer fonograma como productor discográfico: Lo mejor de Berta Armiñán, obra reconocida con el Premio Especial de Investigación en Cubadisco 2026. Junto al disco fue depositada una copia del Diploma acreditativo de este importante reconocimiento, obtenido por la labor de investigación, documentación y salvaguarda de la tradición musical franco-haitiana desarrollada durante varios años alrededor de la figura de Berta Armiñán Linares.

La entrega posee un valor singular por varias razones.

En primer lugar, porque se trata del primer fonograma dedicado íntegramente a la música franco-haitiana cubana que ingresa en los fondos de esta prestigiosa colección internacional. Ello representa la incorporación de una expresión musical fundamental del oriente cubano a un archivo de referencia mundial para investigadores, musicólogos, documentalistas y amantes de la música latinoamericana.

En segundo lugar, porque constituye un hecho poco común dentro de la dinámica de conformación de grandes archivos y colecciones patrimoniales: la entrega directa de la obra por parte de su productor e investigador. No se trata únicamente del depósito de un documento sonoro, sino de la transmisión de una experiencia de investigación y de una historia humana vinculada a la preservación de una tradición cultural viva.

Este acto adquiere una dimensión aún mayor si se considera que Lo mejor de Berta Armiñán es el resultado de un proceso de rescate patrimonial que permitió registrar profesionalmente a una de las máximas exponentes de la canción franco-haitiana en Cuba cuando contaba ya con 83 años de edad. La grabación constituye, por tanto, un documento excepcional de memoria viva, donde convergen la tradición oral, la herencia cultural de los descendientes haitianos en Cuba y la resistencia de una manifestación artística que durante décadas permaneció insuficientemente documentada.

Durante la visita tuve además la oportunidad de mostrar el Premio Especial de Investigación otorgado por Cubadisco 2026, reconocimiento que distingue no solo la calidad artística del fonograma, sino también el esfuerzo investigativo desarrollado para documentar una zona poco explorada del patrimonio musical cubano.

La Colección Gladys Palmera conserva miles de discos, fotografías, partituras, publicaciones especializadas, carteles y documentos relacionados con las músicas de América Latina y el Caribe. La presencia de este fonograma dentro de sus fondos asegura que la obra de Berta Armiñán y la tradición franco-haitiana cubana puedan ser consultadas y estudiadas por futuras generaciones de investigadores de todo el mundo.

Para el Proyecto Etnovisual Afrokuba, institución dedicada desde 2008 al rescate audiovisual de las culturas afrocubanas y afrodiaspóricas, este acontecimiento representa un nuevo paso en la visibilización internacional de aquellas expresiones musicales que durante mucho tiempo permanecieron alejadas de los grandes circuitos de difusión y estudio.

Más allá del valor documental del gesto, la entrega simboliza un encuentro entre dos misiones complementarias: la de quienes investigan, registran y preservan la memoria cultural en el terreno, y la de quienes la custodian para las generaciones futuras.

La voz de Berta Armiñán, nacida en las comunidades franco-haitianas del oriente cubano, ha llegado ahora a uno de los archivos musicales más importantes del mundo. Con ella llegan también las historias, los cantos, los recuerdos y la memoria de una comunidad cuya contribución a la cultura cubana merece ocupar un lugar destacado dentro del patrimonio musical universal.

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El nuevo espacio multidisciplinario Estudio 50 acogió recientemente la presentación de Crucigrama, working in progress del coreógrafo cubano Norge Cedeño, una propuesta que formará parte de una obra mayor que, según adelantó su creador, llevará por título Puzzle.

La muestra tuvo lugar ante un auditorio integrado por destacadas figuras de la danza cubana, entre ellas el Premio Nacional de Danza Santiago Alfonso y Susana Pous, directora de MICOMPAÑIA, así como otros creadores, investigadores y especialistas vinculados al panorama coreográfico nacional, lo que convirtió la presentación en un espacio de observación y diálogo particularmente significativo.

Más que una obra concluida, Crucigrama se reveló como un laboratorio de ideas en movimiento. Desde su propio título, la pieza sugiere la existencia de múltiples trayectorias de lectura, de encuentros y desencuentros entre cuerpos, memorias y símbolos que buscan articular un sentido común sin renunciar a la fragmentación. El escenario se convierte así en un territorio de interrogantes donde cada gesto parece funcionar como una palabra incompleta dentro de una estructura mayor aún en proceso de revelación.

En esta primera aproximación pueden advertirse algunas de las preocupaciones que han acompañado la trayectoria creativa de Norge Cedeño: la exploración de la identidad contemporánea, las tensiones entre individuo y colectividad, así como la búsqueda de nuevas arquitecturas del movimiento capaces de dialogar con la complejidad emocional de nuestro tiempo. El cuerpo aparece como un espacio de escritura donde las acciones, lejos de ofrecer respuestas definitivas, abren caminos de interpretación.

Resulta particularmente sugerente que el creador haya concebido Crucigrama como parte de una futura obra titulada Puzzle. La relación entre ambos conceptos no parece casual. Si el crucigrama propone el desafío de encontrar conexiones ocultas entre signos dispersos, el rompecabezas implica la construcción de una imagen total a partir de fragmentos aparentemente inconexos. En ambos casos emerge una reflexión sobre la necesidad de recomponer sentidos en una época marcada por la dispersión y la incertidumbre.

La atmósfera íntima y experimental de Estudio 50 favoreció una recepción cercana de la propuesta, permitiendo apreciar los procesos de búsqueda que habitan la creación antes de alcanzar su forma definitiva. Precisamente ahí radicó uno de los mayores valores de la presentación: compartir con el público no solo una obra, sino también las preguntas, riesgos y desafíos que acompañan el acto creativo.

Crucigrama deja la impresión de estar ante una investigación coreográfica que apuesta por el pensamiento en movimiento y por la construcción de una dramaturgia abierta, donde cada fragmento conserva su autonomía sin perder la posibilidad de integrarse a un discurso mayor. Habrá que esperar el desarrollo de Puzzle para descubrir la imagen completa; sin embargo, este adelanto confirma que la búsqueda artística de Norge Cedeño continúa transitando territorios de experimentación y profundidad conceptual dentro del panorama de la danza cubana contemporánea.

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La provincia de Santiago de Cuba acogerá el I Simposio Danilo Orozco In Memoriam, un espacio de reflexión académica y cultural dedicado a las prácticas soneras, declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, y a la figura de Nené Manfugás. El evento reunirá a investigadores, músicos y especialistas que explorarán las múltiples dimensiones históricas, sociales y estéticas del Son cubano.

En este contexto, sobresale la participación del proyecto etnovisual AfroKuba, que aportará una perspectiva interdisciplinaria al estudio de las raíces culturales del género. El viernes 8 de mayo a las 12:30 p.m., los investigadores Miguel Ángel García Velasco y Yasmeani Salas Borrero presentarán la ponencia “Del canto franco haitiano al Son: Bertha Armiñán”, una propuesta que conecta la memoria sonora con herramientas audiovisuales contemporáneas.

La inclusión de AfroKuba en el programa subraya la relevancia de los enfoques etnográficos y visuales en la investigación musical actual, destacando cómo las herencias afrocaribeñas continúan modelando la identidad sonora del Caribe. Su trabajo se posiciona como un puente entre tradición y nuevas narrativas, enriqueciendo el debate académico del simposio.

El evento, organizado por diversas instituciones culturales cubanas, contará además con conferencias, paneles y presentaciones que abordan desde los inicios del Son en la industria fonográfica hasta sus expresiones contemporáneas y su impacto en las redes sociales.

El I Simposio Danilo Orozco In Memoriam se consolida así como una plataforma clave para el intercambio de saberes y la preservación del patrimonio musical cubano, donde propuestas como AfroKuba amplían los horizontes de investigación y visibilizan la riqueza de las raíces culturales afrodescendientes en la música.

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A propósito del concierto Rompiendo la rutina de la de la Zurich Jazz Orchestra  en el reconocido club Moods con la participación especial del trompetista cubano Yasek Manzano, conversamos con este importante músico cubano, trompetista y compositor. Dotado de un virtuosismo reconocido dentro y fuera de Cuba, Manzano nació en La Habana y es una referencia en el mundo del jazz.

¿Quién es Yasek Manzano?

Yo creo que soy una combinación de muchas cosas y la música y el arte tienen un papel fundamental en la manera en que vivo mi vida. Lo digo desde el plano de la creatividad, desde la libertad, el crecimiento espiritual y en el plano de esa búsqueda constante.

Yo creo que Yasek Manzano es el avatar de un espíritu que está en búsqueda constantemente, procesando información y devolviéndola de una manera muy personal, de una manera muy particular, de una manera muy individual también, siempre con la intención de compartir y de conectar con otros artistas, con el público, con la naturaleza. Y, por supuesto, más que nada, conmigo mismo.

¿Por qué la trompeta?

La trompeta es solo una herramienta, un instrumento vigoroso, muy conectado a la historia de mi país y por supuesto está conectado a mi identidad como caribeño, cubano y muy conectado a la historia de todos los grandes trompetistas que han compartido escenas, de los que han surgido en mi país y de esos grandes que han llegado por información a través de discos.

La primera vez que escuché una trompeta que me estremeció, que me hizo desear hacer lo mismo como trompetista fue escuchando a Maynard Ferguson, luego de eso escuché Dizzy Gillespie, Arturo Sandoval. Fui conociendo a otros como Woody Shaw, Freddie Hubbard…

Cuando conocí al trompetista Bobby Carcassés, El Showman de Cuba, me introdujo dentro del jazz. Digamos que él ha sido mi descubridor en ese sentido. La trompeta es un instrumento que necesita aire y el aire es algo que viene, es el aliento. La trompeta tiene mucha simbología en la religión, en varias religiones, y es un instrumento que tiene esa característica por ser tan vigoroso. Siempre está estableciendo un llamado y el viento está implícito, es decir, es un elemento importante de la naturaleza y también simboliza un poco el alma.

La trompeta es un instrumento con el cual puedes desarrollar sonoridades muy diversas y puedes establecer muchos colores como espejos de ti mismo, a través de la expresión, de la improvisación, de la interpretación.

A mi me atraen los instrumentos de viento metal y hace dos años que estoy estudiando y tocando trombón, ya es parte de mi show el trombón clásico. Estoy estudiando tubas, corno francés… Todos los instrumentos de aliento para mi son fundamentales y busco otras sonoridades más oscuras como los instrumentos de viento metal graves.

Yo soy seguidor de muchos trombonistas, tuve la suerte también de tocar con Steve Turre; con el proyecto del Latin Jazz Hostal del maestro Orlando Valle, “Maraca”. Ese instrumento me fascinó y ahora pienso crear mi propia sonoridad y estoy estudiando seriamente para lograr tocar profesionalmente este instrumento.

¿Cómo sentiste la inclusión en este proyecto del Orquesta Jazz de Zurich?

Yo creo que es el factor de lo que pudo haber faltado. Es algo que yo pongo implícito en la manera en que puede desarrollar y crecer este proyecto. Por eso no veo carencia alguna en el repertorio que tocamos y la manera en que ellos abordaron nuestra música y la música brasileña también, que está implícita entre los arreglos que se presentaron. Creo que sí, podría decir, más que faltar, implementar o agregar algo serían partes de mis composiciones personales, con mi estilo cubano, dentro de las próximas presentaciones con la big band que parece que pueden ser muy posibles. Ya tengo la convocatoria para las próximas oportunidades y estoy contento por esa oportunidad, muy agradecido por lo que sucedió, por la invitación.

Ya hay proyectos, se está hablando informalmente de hacer arreglos de big band en mis propias composiciones y eso sería genial porque ya yo tengo mi sonoridad y creo que podría aportar algo también dentro del repertorio de esta emblemática orquesta de Jazz de Zurich. Creo que hicieron un excelente trabajo con la música cubana se sintió el sabor, se sintió además el músico que está muy entrenado por nuestros propios profesionales y artistas tanto profesionales como de la calle que eso es muy importante decirlo. Son músicos con un talento extraordinario con una capacidad increíble de interpretación en cualquier estilo y demostraron que pueden tocar la música cubana muy bien y eso es algo que se ve en los músicos también de la big band.

Creo que se puede incluir repertorios más complejos, más concretos, en la dirección del jazz contemporáneo cubano, porque se tocaron más estándares y clásicos de grandes compositores como el mismo Arturo, pero sería muy lindo también eso. Creo que hay una mentalidad muy abierta en ese sentido y hay un swing tremendo y muy buena vibra con la música cubana y hay una muy buena energía entre los mismos músicos. Se nota que es una orquesta que está establecida en el nivel profesional, pero también en el nivel de familia, son toda una familia y me sentí como invitado a la casa y eso para mí es un recuerdo que voy a guardar siempre y es un sueño también que he podido realizar y poder tocar con esta orquesta, con este alto nivel aquí en Suiza, estoy súper feliz por eso.

¿Es la primera vez que tocabas en el Moods?

Esta es la tercera vez que toco. La primera vez había tocado, creo que por casualidad, no sé si en un jam session o fue la segunda pero hice un concierto oficial con César Correa, un pianista excepcional también peruano, radicado aquí en Suiza.

Yasek Manzano: “I Am a Spirit in Constant Search”

By Prof. Miguel Ángel García Velasco

On the occasion of the concert Breaking the Routine by the Zurich Jazz Orchestra at the renowned Moods club, featuring special guest Cuban trumpeter Yasek Manzano, we spoke with this important Cuban musician, trumpeter, and composer. Endowed with virtuosity recognized both inside and outside Cuba, Manzano was born in Havana and is a reference in the world of jazz.

Who is Yasek Manzano?

I think I am a combination of many things, and music and art play a fundamental role in the way I live my life. I say this from the perspective of creativity, freedom, spiritual growth, and that constant search.

I believe Yasek Manzano is the avatar of a spirit that is constantly searching, processing information and giving it back in a very personal, very particular, very individual way—always with the intention of sharing and connecting with other artists, with the audience, with nature. And, above all, with myself.

Why the trumpet?

The trumpet is just a tool, a powerful instrument, deeply connected to the history of my country and, of course, to my identity as a Caribbean, as a Cuban. It is also strongly tied to the history of all the great trumpeters who have shared stages—those who emerged in my country and those great ones I discovered through recordings.

The first time I heard a trumpet that moved me, that made me want to do the same as a trumpeter, was when I listened to Maynard Ferguson. After that, I listened to Dizzy Gillespie, Arturo Sandoval. I kept discovering others like Woody Shaw, Freddie Hubbard…

When I met the trumpeter Bobby Carcassés, the Showman of Cuba, he introduced me to jazz. Let’s say he was my discoverer in that sense. The trumpet is an instrument that needs air, and air is something that comes—it is breath. The trumpet has a lot of symbolism in religion, in several religions, and it has that quality because it is so powerful. It is always making a call, and wind is implicit—it is an important element of nature and also symbolizes the soul.

The trumpet is an instrument through which you can develop very diverse sounds and create many colors as reflections of yourself, through expression, improvisation, and interpretation.

I am attracted to brass wind instruments, and for the past two years I have been studying and playing the trombone—it is now part of my show, the classical trombone. I am studying tubas, French horn… All wind instruments are fundamental to me, and I seek darker sounds such as those of low brass instruments.

I follow many trombonists, and I also had the chance to play with Steve Turre, in the Latin Jazz Hostel project led by maestro Orlando Valle, “Maraca.” That instrument fascinated me, and now I plan to create my own sound. I am seriously studying it in order to play it professionally.

How did you feel about being included in this Zurich Jazz Orchestra project?

I think it is the factor of what might have been missing—something I naturally bring into the way this project can develop and grow. That’s why I don’t see any lack in the repertoire we performed, or in how they approached our music and Brazilian music as well, which was part of the arrangements presented. If anything, rather than something missing, I would add elements from my own compositions, with my Cuban style, in future performances with the big band—which seem very possible. I have already been invited for future opportunities, and I am happy and very grateful for what happened.

There are already projects being discussed informally about arranging my own compositions for big band, and that would be wonderful because I already have my own sound, and I believe I could contribute something to the repertoire of this emblematic Zurich Jazz Orchestra.

I think they did an excellent job with Cuban music—you could feel the flavor. You could also feel that these are musicians who are very well trained by our own professionals and artists, both formally trained and street musicians, which is important to say. They are musicians with extraordinary talent and incredible ability to interpret any style, and they proved they can play Cuban music very well. That is something you also see in the big band musicians.

I think more complex and more specific repertoire could be included, in the direction of contemporary Cuban jazz. What was played leaned more toward standards and classics by great composers like Arturo, but it would also be very nice to expand in that direction. I think there is a very open mindset, a tremendous swing, and great energy with Cuban music. There is also a wonderful energy among the musicians themselves. You can tell it is an orchestra established not only at a professional level but also as a family—they are truly a family. I felt like a guest in their home, and that is something I will always remember. It is also a dream I have fulfilled—to play with this orchestra at such a high level here in Switzerland. I am extremely happy about that.

Was it your first time playing at Moods?

This is the third time I have played there. The first time, I think it was by chance—I’m not sure if it was at a jam session. The second time—or perhaps that was the second—I did an official concert with César Correa, an exceptional Peruvian pianist based here in Switzerland.

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La Zurich Jazz Orchestra presentó en el reconocido club Moods el concierto Rompiendo la rutina, una propuesta artística que trasciende el formato de big band para convertirse en una experiencia sonora de alcance transatlántico.

Con la participación especial del trompetista cubano Yasek Manzano, el programa articuló un recorrido musical que conectó tradiciones afrobrasileñas, el jazz moderno estadounidense, la riqueza rítmica cubana y la creación contemporánea europea.

El repertorio incluyó obras emblemáticas como Canto de Xangô, de Baden Powell y Vinicius de Moraes, así como Estamos Aí, de Durval Ferreira, piezas que evocan la profundidad espiritual y musical de las culturas afrobrasileñas.

A su vez, la interpretación de Moment’s Notice, de John Coltrane situó al público en el núcleo del jazz moderno, destacando su complejidad estructural y su dimensión expresiva.

La presencia de Yasek Manzano aportó una perspectiva contemporánea del jazz cubano, donde la improvisación dialoga con las raíces afrocubanas, consolidando un puente vivo entre tradición y modernidad.

El concierto se completó con composiciones originales y arreglos contemporáneos que reflejan el papel de la Zurich Jazz Orchestra como plataforma de innovación dentro del panorama europeo.

Rompiendo la rutina se configura así como una propuesta que no solo rompe con la repetición musical, sino que redefine el concierto como espacio de encuentro entre memorias culturales, lenguajes sonoros y territorios históricos.

Breaking the Routine: Zurich Jazz Orchestra builds a sonic bridge between Africa, the Americas and Europe at Moods Zürich

The Zurich Jazz Orchestra presented at the renowned Moods jazz club the concert Breaking the Routine, an artistic proposal that transcends the big band format to become a transatlantic musical experience.

Featuring Cuban trumpeter Yasek Manzano as special guest, the program offered a musical journey connecting Afro-Brazilian traditions, modern American jazz, Cuban rhythmic heritage, and contemporary European creation.

The repertoire included emblematic works such as Canto de Xangô by Baden Powell and Vinicius de Moraes, as well as Estamos Aí by Durval Ferreira—pieces that evoke the spiritual and musical depth of Afro-Brazilian cultures. The performance of Moment’s Notice by John Coltrane placed the audience at the core of modern jazz, highlighting its structural complexity and expressive power.

Yasek Manzano’s presence brought a contemporary Cuban jazz perspective, where improvisation dialogues with Afro-Cuban roots, establishing a living bridge between tradition and modernity.

The concert was completed with original compositions and contemporary arrangements, underscoring the Zurich Jazz Orchestra’s role as an innovative platform within the European jazz scene.

Breaking the Routine ultimately emerges as a proposal that not only challenges musical repetition, but also redefines the concert as a space where cultural memory, sonic languages, and historical territories converge.

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La historia cultural cubana está llena de paradojas; una de las más elocuentes es que Berta Armiñan Linares, octogenaria dama de la canción franco-haitiana y verdadera enciclopedia viviente de la memoria musical oriental, no hubiese contado hasta hoy con un fonograma propio que fijara su legado.

Mi encuentro personal con ella, hace casi tres años, en su habitación sobria dentro de un solar de la icónica calle Enramada, en Santiago de Cuba, fue tan revelador como conmovedor. Allí, en ese espacio mínimo y esencial, habitaba una figura mayor de nuestra cultura: fundadora del Folklórico de Oriente, referente insoslayable del histórico Cutumba, y pilar indispensable de la tradición franco-haitiana en Cuba. La ausencia de un registro discográfico resultaba, sencillamente, inconcebible.

Impulsado por esa certeza —y por una emoción que solo puede definirse como amor a primera vista— asumí el compromiso de producir un disco que recogiera una parte sustantiva de su historia musical. El resultado provisional es este fonograma titulado Lo mejor de Berta Armiñan, que reúne piezas emblemáticas de la cultura recreada y resignificada en el oriente cubano a partir de las oleadas haitianas llegadas a nuestras costas, y que hoy forman parte indisoluble del patrimonio sonoro de la nación.

Mensaje de Miguel Ángel García Velasco a la intérprete Berta Armiñán

Este disco no pretende clausurar una obra; es apenas un primer paso, un acto de justicia y de afecto. Nace de una relación profundamente humana y simbólica: Berta, mi Reina africana, me adoptó como uno de los suyos; yo, a su vez, me asumí como guardián de su voz y su memoria.

Mensaje de la intérprete Berta Armiñán

Enhorabuena, Bertica. Tu canto —por fin— queda sembrado para el tiempo.

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La visita a la aldea de Dansihoué, situada en el distrito de Ouèdèmè, municipio de Lokossa, constituyó una inmersión profunda en uno de los espacios culturales y espirituales más antiguos del Benín profundo. Se trata de un territorio donde arquitectura, economía doméstica y religiosidad tradicional conforman un sistema de vida coherente, aún plenamente activo.

Las casas de la aldea, construidas con barro prensado, responden a técnicas ancestrales adaptadas al clima y al entorno. Sus muros, elaborados con tierra local, garantizan frescura y solidez, y funcionan como verdaderos depositarios de la memoria familiar y comunitaria.

En este contexto se desarrolla una actividad esencial para la vida cotidiana: la fabricación artesanal de aceite rojo de palma y de jabones. El proceso tradicional comprende varias etapas: la recolección de las nueces de palma; la separación de las nueces del racimo; la preparación y limpieza de las nueces; su posterior amasado para liberar la materia grasa; la extracción de la espuma resultante y, finalmente, el trabajo de esta espuma hasta obtener el aceite rojo, listo para su uso doméstico, artesanal y ritual. Este saber hacer se transmite de generación en generación y se apoya en el trabajo colectivo y el respeto por los ritmos naturales.

El eje espiritual de la visita estuvo marcado por el acceso al convento de Toodjihoué Avinouhoué, situado en el poblado de Dornon Avinouhoué, igualmente en el distrito de Ouèdèmè. Reconocido como el convento más antiguo de la región, constituye un referente mayor del culto a Sakpata. Allí fuimos recibidos por Gantchassi, sacerdote principal, jefe tradicional, cabeza coronada, jefe consuetudinario y jefe vudú, autoridad espiritual y social de gran legitimidad.

Las oraciones y salutaciones rituales ante Sakpata se realizaron bajo su conducción, siguiendo estrictamente los protocolos que garantizan el permiso de la divinidad y de los ancestros. Estos actos establecen el marco ético y espiritual indispensable para toda presencia y toda acción en el espacio sagrado.

Su hijo y mano derecha, Avinou Hênanssi, participa activamente en la gestión ritual y comunitaria del convento, asegurando la transmisión generacional de los saberes y responsabilidades.

Durante la visita se produjo el primer encuentro con un grupo de adeptas de Sakpata que son nuevas iniciadas y se encuentran en la fase final de su iniciación. El ciclo completo de iniciación en el convento tiene una duración de tres meses. En 23 días, estas iniciadas serán presentadas oficialmente al público y a sus familias, momento que marca el cierre visible de su proceso iniciático y su plena integración ritual.

La jornada concluyó con una consulta de Fa, realizada por el boconon Aguè Félicien, quien, a través de la lectura oracular, ofreció orientación espiritual y confirmó la armonía del encuentro.

Esta visita a Dansihoué no fue una simple observación, sino una experiencia profunda de contacto con un universo cultural vivo, donde la tierra, el aceite de palma, la palabra ritual y la iniciación forman una misma gramática de sentido bajo la presencia activa de Sakpata.

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En el marco de mi estancia en la histórica ciudad de Ouidah, tuve el honor de sostener un encuentro profundamente significativo con el grupo de danzas y percusión Súper Wetche, dirigido por Demide Juvenero. Este intercambio se estructuró como una experiencia integral —espiritual, pedagógica y performativa— centrada en las danzas y cantos consagrados al gran vodùn Sakpata, deidad mayor vinculada a la tierra, la sanación, la memoria ancestral y el equilibrio comunitario.

El encuentro se inició con la explicación del principio fundamental que rige toda manifestación ritual: la consulta previa a los ancestros. Este acto, indispensable dentro de la cosmovisión vodùn, constituye la solicitud formal de permiso para que la presentación pueda realizarse en armonía, garantizando la protección espiritual tanto de los ejecutantes como de los visitantes. Sin esta anuencia ancestral, la danza y el canto perderían su legitimidad ritual y su eficacia simbólica.

A continuación, el director del conjunto ofreció una exposición detallada sobre la estructura del conjunto percutivo, integrado exclusivamente por adeptos consagrados a Sakpata. Cada músico no solo domina su instrumento desde el punto de vista técnico, sino que asume una función ritual específica dentro del entramado sonoro. Se explicaron los nombres, roles y jerarquías de los tambores e instrumentos de percusión, así como su diálogo interno, esencial para convocar la presencia espiritual del vodùn.

Seguidamente, se abordaron las funciones de cada danza y de cada canto, esclareciendo su carácter narrativo, terapéutico o invocatorio.

Cada gesto corporal, cada patrón rítmico y cada texto cantado responden a códigos heredados, transmitidos de generación en generación, donde el cuerpo deviene archivo vivo de la memoria ritual.

Concluido este intenso encuentro espiritual con la agrupación de jóvenes, realizamos un recorrido por espacios esenciales de Ouidah. Visitamos el Jardín Sagrado, lugar de alta densidad simbólica, y posteriormente el CCRI John Smith, donde sostuvimos un intercambio con su director, Janvier Nougloo, explorando posibles vías de colaboración futura en el ámbito de la investigación, la creación y la difusión cultural.

Para cerrar la jornada, resultaba ineludible visitar a nuestro gran hermano Dah Daagbo, Avimadjènon y jefe de una de las casas-templo más respetadas de la ciudad, cuyo patrón espiritual es precisamente Sakpata. Este encuentro selló la visita desde una dimensión de hermandad, respeto y continuidad espiritual, reafirmando la centralidad de Ouidah como territorio vivo de la tradición vodùn y como espacio privilegiado para el diálogo entre memoria, ritual y creación contemporánea.

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Revé hizo su debut como artista invitado con la compañía en mayo de 2025, en el papel principal de Romeo junto a Natalia Osipova en Romeo y Julieta, y desde entonces ha aparecido en Osipova/Linbury en noviembre.

«Unirse al Royal Ballet como bailarín principal es un sueño hecho realidad. Actuar junto a artistas tan increíbles y ser parte de esta histórica empresa es un honor. Agradezco a todos los bailarines y al personal que me han hecho sentir tan bienvenido», dijo Revé, citado por la compañía en el comunicado.

«Me di cuenta de que debía acercarme un poco más a donde ocurren las cosas en el mundo, porque en Australia sentía que estaba demasiado lejos. Cuando llegué a Londres lo vi claro. Aquí están los mejores bailarines del mundo y me están diciendo cosas buenas; entonces creo que puedo hacerlo«, afirmó Revé en una entrevista reciente con OnCuba.

Entretanto, Kevin O’Hare, director del Royal Ballet, declaró: «Estoy encantado de dar la bienvenida a Patricio en la Compañía como bailarín principal. Su estilo y arte ya han causado una gran impresión durante sus apariciones como invitado. Estas cualidades, combinadas con una presencia escénica natural, se alinean tan bien con The Royal Ballet».

Hasta ahora, Revé fue bailarín principal del Queensland Ballet, en Australia, desde 2018. Antes, ocupó la misma función en el Ballet Nacional de Cuba, luego de que, a los 18 años, Viengsay Valdés lo seleccionara para ser su partenaire. Con apenas 19 años fue nombrado bailarín principal de la compañía cubana, con la que bailó en escenarios de EEUU, Canadá, España, Francia, Italia, México y China.

Revé ha interpretado roles protagónicos en obras como Romeo y Julieta, Giselle, La bella durmiente, El cascanueces, Don Quijote, Carmen, Sueño de una noche de verano and La fille mal gardée. En 2015 recibió la Medalla de Oro y el Gran Premio de la Competencia Internacional de Ballet de La Habana.

En referencia a Carlos Acosta, icónico bailarín cubano que fue antes primera figura del Royal Ballet, dijo Revé en la citada entrevista con OnCuba: «Es lo máximo, la inspiración de toda mi generación. Era la figura que nos daba fuerza e incentivos para mejorar, para trabajar, cuando éramos estudiantes. Es el dios del ballet para nosotros«.

Sobre su paso por el Ballet Nacional de Cuba recordó: «A los tres meses de entrar ya estaba bailando con Viengsay. Fue un tiempo de un enriquecimiento tremendo, que me dejó recuerdos muy bonitos. La maestra Aurora Bosch se volcó en mí cuando ensayamos Giselle. El Ballet Nacional de Cuba tiene una cultura enorme, sobre todo en los ballets clásicos como Don Quijote, Giselle and El lago de los cisnes. Tomar todo ese conocimiento desde la raíz me hizo apreciar aún más este arte».

Tomado de Diario de Cuba

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