El nuevo espacio multidisciplinario Estudio 50 acogió recientemente la presentación de Crucigrama, working in progress del coreógrafo cubano Norge Cedeño, una propuesta que formará parte de una obra mayor que, según adelantó su creador, llevará por título Puzzle.

La muestra tuvo lugar ante un auditorio integrado por destacadas figuras de la danza cubana, entre ellas el Premio Nacional de Danza Santiago Alfonso y Susana Pous, directora de MICOMPAÑIA, así como otros creadores, investigadores y especialistas vinculados al panorama coreográfico nacional, lo que convirtió la presentación en un espacio de observación y diálogo particularmente significativo.

Más que una obra concluida, Crucigrama se reveló como un laboratorio de ideas en movimiento. Desde su propio título, la pieza sugiere la existencia de múltiples trayectorias de lectura, de encuentros y desencuentros entre cuerpos, memorias y símbolos que buscan articular un sentido común sin renunciar a la fragmentación. El escenario se convierte así en un territorio de interrogantes donde cada gesto parece funcionar como una palabra incompleta dentro de una estructura mayor aún en proceso de revelación.

En esta primera aproximación pueden advertirse algunas de las preocupaciones que han acompañado la trayectoria creativa de Norge Cedeño: la exploración de la identidad contemporánea, las tensiones entre individuo y colectividad, así como la búsqueda de nuevas arquitecturas del movimiento capaces de dialogar con la complejidad emocional de nuestro tiempo. El cuerpo aparece como un espacio de escritura donde las acciones, lejos de ofrecer respuestas definitivas, abren caminos de interpretación.

Resulta particularmente sugerente que el creador haya concebido Crucigrama como parte de una futura obra titulada Puzzle. La relación entre ambos conceptos no parece casual. Si el crucigrama propone el desafío de encontrar conexiones ocultas entre signos dispersos, el rompecabezas implica la construcción de una imagen total a partir de fragmentos aparentemente inconexos. En ambos casos emerge una reflexión sobre la necesidad de recomponer sentidos en una época marcada por la dispersión y la incertidumbre.

La atmósfera íntima y experimental de Estudio 50 favoreció una recepción cercana de la propuesta, permitiendo apreciar los procesos de búsqueda que habitan la creación antes de alcanzar su forma definitiva. Precisamente ahí radicó uno de los mayores valores de la presentación: compartir con el público no solo una obra, sino también las preguntas, riesgos y desafíos que acompañan el acto creativo.

Crucigrama deja la impresión de estar ante una investigación coreográfica que apuesta por el pensamiento en movimiento y por la construcción de una dramaturgia abierta, donde cada fragmento conserva su autonomía sin perder la posibilidad de integrarse a un discurso mayor. Habrá que esperar el desarrollo de Puzzle para descubrir la imagen completa; sin embargo, este adelanto confirma que la búsqueda artística de Norge Cedeño continúa transitando territorios de experimentación y profundidad conceptual dentro del panorama de la danza cubana contemporánea.

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El pasado domingo 26 de abril, el escenario del Bird’s Eye Jazz Club se convirtió en territorio de pulsación afrolatina con la presentación del grupo Son Alarde, en una velada donde tradición, autoría y contemporaneidad dialogaron con naturalidad.

Bajo la dirección del músico cubano Alcides Toirac —proveniente del reconocido movimiento de la Nueva Trova Cubana— el proyecto se afirma desde una perspectiva creativa singular: la centralidad de la composición propia.

El repertorio se sustenta fundamentalmente en las obras del tresero suizo Olivier Gagneux y del propio Toirac, configurando una identidad sonora donde el son cubano y el latin jazz se reescriben desde una mirada contemporánea.

Como elemento distintivo, el grupo incorpora ritmos hoy poco frecuentados o casi olvidados —como el dengue, el sucu-sucu, el mambo y el pilón—, no desde la nostalgia, sino como una reactivación viva de la memoria musical.

En el formato íntimo del club, la agrupación logró una conexión directa con el público, evidenciando un trabajo consciente sobre la tradición como materia dinámica.

Una noche donde la raíz no se repite: se investiga, se crea y se proyecta.

Son Alarde in Basel: creation, memory, and Afro-Latin pulse

On Sunday, April 26, the stage of the Bird’s Eye Jazz Club became a space of Afro-Latin resonance with the performance of Son Alarde, in an evening where tradition, authorship, and contemporaneity engaged in a natural dialogue.

Under the direction of Cuban musician Alcides Toirac —emerging from the renowned Nueva Trova Cubana movement— the project stands out for a distinctive artistic approach: the centrality of original composition.

The repertoire is largely built on works by Swiss tres player Olivier Gagneux and Toirac himself, shaping a sonic identity where Cuban son and Latin jazz are reinterpreted through a contemporary lens.

A notable feature of the ensemble is its inclusion of rarely performed or nearly forgotten rhythms—such as dengue, sucu-sucu, mambo, and pilón—revived not as nostalgia, but as a living reactivation of musical memory.

Within the club’s intimate setting, the group established a direct connection with the audience, demonstrating a conscious and dynamic engagement with tradition.

A night where roots are not repeated, but researched, reimagined, and projected forward.

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Redacción AfroKuba

En el Cementerio Cristóbal Colón de La Habana se vivió recientemente un momento de profunda emoción y justicia simbólica: la develación de la tarja en memoria de Armando Valdés “El Loquillo”.

Gracias a la iniciativa del rumbero chileno Cristian Mauricio, varias personas se reunieron frente a la tumba que guarda los restos de una de las figuras más singulares, carismáticas y queridas de la rumba cubana.

Nacido en pleno corazón de La Habana, el 30 de noviembre de 1943, en el solar ubicado en Peñalver 14, en la plazoleta del barrio habanero de Los Sitios, fue cartero de profesión, pero sentía una gran pasión por la rumba, por lo que, en esos predios, fue considerado el «mejor quinto» de Cuba, durante los toques de tambor en carnavales habaneros o en cuanto festival de la rumba en los barrios junto a grandes exponentes de ese género.

Armando Valdés fue asesor y creador del segmento «La rumba no es como ayer», del programa «La supermusical latina», en Radio Metropolitana, en el cual hacía alusión a las grandes personalidades de la rumba en Cuba y el mundo, y la impronta del género en la Isla, tanto ayer como hoy día.

“El Loquillo” fue compositor de varios géneros, desde boleros, hasta la canción, pero se destacó con mayor influencia en la rumba. Grabó como colaborador en múltiples grupos, entre ellos se destaca «Diosa Africana», dedicada a la patrona de Cuba, popularizada por Justo Pelladito y el grupo Afroamérica.

También era el principal protagonista de la Peña de la Rumba «El sitiero ausente», en la plazoleta del barrio de Los Sitios, ubicada en Condesa y Antón Recio. Asimismo, creó un grupo infantil denominado «Los Tormentos de Los Sitios», que aprendían los vericuetos de la rumba de cajón.

Su excelencia para interpretar la rumba de cajón lo convirtió en un referente. En sus años mozos participó en estudios de actuación, uno de ellos la obra Amante y Penol, estrenada en 1972 por la destacada actriz y dramaturga Herminia Sánchez, Premio Nacional de Teatro 2019, con el Grupo de Teatro de Participación Popular (nacido en los muelles del Puerto de La Habana).

“El Loquillo” fue, ante todo, un hombre de barrio: sencillo, auténtico y profundamente respetado por su entrega sin límites a la rumba habanera.

Hijos, nietos, amigos y hermanos se dieron cita para rendirle tributo póstumo a quien escribió el nombre de la Rumba con letras de cajón y oro. Porque hay hombres que no se van…se quedan vibrando en cada toque, en cada coro, en cada cuero.

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En el marco de mi estancia en la histórica ciudad de Ouidah, tuve el honor de sostener un encuentro profundamente significativo con el grupo de danzas y percusión Súper Wetche, dirigido por Demide Juvenero. Este intercambio se estructuró como una experiencia integral —espiritual, pedagógica y performativa— centrada en las danzas y cantos consagrados al gran vodùn Sakpata, deidad mayor vinculada a la tierra, la sanación, la memoria ancestral y el equilibrio comunitario.

El encuentro se inició con la explicación del principio fundamental que rige toda manifestación ritual: la consulta previa a los ancestros. Este acto, indispensable dentro de la cosmovisión vodùn, constituye la solicitud formal de permiso para que la presentación pueda realizarse en armonía, garantizando la protección espiritual tanto de los ejecutantes como de los visitantes. Sin esta anuencia ancestral, la danza y el canto perderían su legitimidad ritual y su eficacia simbólica.

A continuación, el director del conjunto ofreció una exposición detallada sobre la estructura del conjunto percutivo, integrado exclusivamente por adeptos consagrados a Sakpata. Cada músico no solo domina su instrumento desde el punto de vista técnico, sino que asume una función ritual específica dentro del entramado sonoro. Se explicaron los nombres, roles y jerarquías de los tambores e instrumentos de percusión, así como su diálogo interno, esencial para convocar la presencia espiritual del vodùn.

Seguidamente, se abordaron las funciones de cada danza y de cada canto, esclareciendo su carácter narrativo, terapéutico o invocatorio.

Cada gesto corporal, cada patrón rítmico y cada texto cantado responden a códigos heredados, transmitidos de generación en generación, donde el cuerpo deviene archivo vivo de la memoria ritual.

Concluido este intenso encuentro espiritual con la agrupación de jóvenes, realizamos un recorrido por espacios esenciales de Ouidah. Visitamos el Jardín Sagrado, lugar de alta densidad simbólica, y posteriormente el CCRI John Smith, donde sostuvimos un intercambio con su director, Janvier Nougloo, explorando posibles vías de colaboración futura en el ámbito de la investigación, la creación y la difusión cultural.

Para cerrar la jornada, resultaba ineludible visitar a nuestro gran hermano Dah Daagbo, Avimadjènon y jefe de una de las casas-templo más respetadas de la ciudad, cuyo patrón espiritual es precisamente Sakpata. Este encuentro selló la visita desde una dimensión de hermandad, respeto y continuidad espiritual, reafirmando la centralidad de Ouidah como territorio vivo de la tradición vodùn y como espacio privilegiado para el diálogo entre memoria, ritual y creación contemporánea.

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Revé hizo su debut como artista invitado con la compañía en mayo de 2025, en el papel principal de Romeo junto a Natalia Osipova en Romeo y Julieta, y desde entonces ha aparecido en Osipova/Linbury en noviembre.

«Unirse al Royal Ballet como bailarín principal es un sueño hecho realidad. Actuar junto a artistas tan increíbles y ser parte de esta histórica empresa es un honor. Agradezco a todos los bailarines y al personal que me han hecho sentir tan bienvenido», dijo Revé, citado por la compañía en el comunicado.

«Me di cuenta de que debía acercarme un poco más a donde ocurren las cosas en el mundo, porque en Australia sentía que estaba demasiado lejos. Cuando llegué a Londres lo vi claro. Aquí están los mejores bailarines del mundo y me están diciendo cosas buenas; entonces creo que puedo hacerlo«, afirmó Revé en una entrevista reciente con OnCuba.

Entretanto, Kevin O’Hare, director del Royal Ballet, declaró: «Estoy encantado de dar la bienvenida a Patricio en la Compañía como bailarín principal. Su estilo y arte ya han causado una gran impresión durante sus apariciones como invitado. Estas cualidades, combinadas con una presencia escénica natural, se alinean tan bien con The Royal Ballet».

Hasta ahora, Revé fue bailarín principal del Queensland Ballet, en Australia, desde 2018. Antes, ocupó la misma función en el Ballet Nacional de Cuba, luego de que, a los 18 años, Viengsay Valdés lo seleccionara para ser su partenaire. Con apenas 19 años fue nombrado bailarín principal de la compañía cubana, con la que bailó en escenarios de EEUU, Canadá, España, Francia, Italia, México y China.

Revé ha interpretado roles protagónicos en obras como Romeo y Julieta, Giselle, La bella durmiente, El cascanueces, Don Quijote, Carmen, Sueño de una noche de verano y La fille mal gardée. En 2015 recibió la Medalla de Oro y el Gran Premio de la Competencia Internacional de Ballet de La Habana.

En referencia a Carlos Acosta, icónico bailarín cubano que fue antes primera figura del Royal Ballet, dijo Revé en la citada entrevista con OnCuba: «Es lo máximo, la inspiración de toda mi generación. Era la figura que nos daba fuerza e incentivos para mejorar, para trabajar, cuando éramos estudiantes. Es el dios del ballet para nosotros«.

Sobre su paso por el Ballet Nacional de Cuba recordó: «A los tres meses de entrar ya estaba bailando con Viengsay. Fue un tiempo de un enriquecimiento tremendo, que me dejó recuerdos muy bonitos. La maestra Aurora Bosch se volcó en mí cuando ensayamos Giselle. El Ballet Nacional de Cuba tiene una cultura enorme, sobre todo en los ballets clásicos como Don Quijote, Giselle y El lago de los cisnes. Tomar todo ese conocimiento desde la raíz me hizo apreciar aún más este arte».

Tomado de Diario de Cuba

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por Miguel Ángel García Velasco

El Ensemble Artistique et Culturel Towaké du Bénin (EAC Towaké) es una agrupación dedicada a la preservación, transmisión y proyección contemporánea de las expresiones artísticas tradicionales del centro de Benín, con un fuerte anclaje en Savalou, territorio de profunda raigambre vodún y cuna de memorias históricas ligadas al antiguo mundo arara–dahomeyano.

Nuestro primer encuentro tuvo lugar en el palacio de la Reina, Kpessikondodo en su Palacio en Alladda, un espacio de alta significación simbólica donde el arte, la espiritualidad y la memoria dialogan como lenguajes vivos. Allí se estableció un acuerdo fraterno para reencontrarnos en Savalou, en el marco de los Vodun Days, celebración mayor del calendario espiritual y cultural del país.

Este encuentro reviste un carácter histórico: EAC Towaké será el primer grupo de artistas oriundos de Savalou en compartir y disfrutar de los materiales audiovisuales del proyecto etnovisual Afrokuba, dedicados al mundo arará de Cuba.

Se trata de un gesto de retorno simbólico, donde las imágenes filmadas en la diáspora afrocubana vuelven a dialogar con sus territorios de origen en África, activando un puente de reconocimiento mutuo, memoria y continuidad cultural.

La proyección de estos audiovisuales no será solo una exhibición, sino un acto de intercambio vivo: una oportunidad para que los artistas de Towaké reconozcan en la música, la danza y la ritualidad arará en Cuba, huellas compartidas, resonancias espirituales y caminos comunes que trascienden el Atlántico.

En este contexto, EAC Towaké du Bénin se afirma como un actor esencial en la salvaguarda del patrimonio inmaterial de Savalou y como un interlocutor privilegiado para los diálogos afrodiaspóricos que promueve Afrokuba, donde el arte se convierte en archivo vivo y la memoria en acto compartido.

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Cotonou, Benín. — El Centro de Danza Multicorps acogió una conferencia ilustrada dedicada a la historia de la danza moderna cubana y su profunda impronta afrocubana, impartida por el profesor y cineasta Miguel Ángel García Velasco, todo un recorrido sensible y riguroso por uno de los capítulos más influyentes de la creación escénica del Caribe y su diálogo permanente con África.

La sesión trazó el legado fundacional de Ramiro Guerra, creador de la danza moderna en Cuba, subrayando su visión integradora del cuerpo, el ritmo y la memoria ancestral, así como la centralidad del tambor afrocubano como herramienta pedagógica y poética.

En este linaje creativo se destacó la figura de su alumno aventajado, Eduardo Rivero, coreógrafo que llevó esa herencia a una síntesis madura y universal.

El punto culminante fue la proyección y análisis del documental Sulkary, obra emblemática que, medio siglo después, sigue revelando la potencia estética y espiritual de la danza afrocubana.

La presentación propuso una lectura contemporánea del filme, conectando sus imágenes con los procesos formativos actuales y con la vigencia de sus principios técnicos y simbólicos.

Bajo el sugerente eje Rivero cabalgando en el Benín que imaginó, la conferencia estableció un puente sensible entre Cuba y Benín: el retorno simbólico de una danza que, nacida del mestizaje y la memoria africana, vuelve a dialogar con las fuentes que la inspiraron.

Este encuentro reafirmó a Cotonou como espacio de intercambio vivo entre tradición y creación contemporánea.

La actividad reunió a estudiantes, docentes, investigadores y artistas, consolidando al Centro de Danza Multicorps como plataforma clave para la reflexión, la transmisión y la circulación de saberes coreográficos entre África y el Caribe.

#AfroKubaEnBenin #Benin #AfroKuba

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En el emblemático Theater 11 Zürich—ante uno de los públicos más exigentes y conocedores del país— la agrupación dirigida por el maestro Roclan González ofreció un espectáculo que solo puede describirse como apoteósico: técnica impecable, energía arrolladora y una entrega escénica que confirmó, una vez más, el altísimo nivel de la danza cubana contemporánea.

Zúrich, ciudad de sensibilidad artística refinada, respondió con ovaciones sostenidas y un público completamente entregado a la fuerza expresiva de los bailarines. Una vez más, Revolución de Cuba no solo se presentó, se impuso.

Fiel a la tradición que se ha construido desde las primeras funciones en el Maag Areal, el director y coreógrafo Roclan González compartió un cálido encuentro con el director del proyecto etnovisual Afrokuba, celebrando una relación profesional y humana que acompaña el camino internacional de la compañía.

Una complicidad que honra la memoria de la danza cubana y su expansión en escenarios del mundo. Suiza aplaudió de pie y la Revolución —la de la danza cubana— volvió a conquistar Zúrich.

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^{Texto y Fotos: AfroKuba}

El Dique do Tororó es uno de los espacios más simbólicos de Salvador de Bahía, tanto por su relevancia histórica como por su profundo significado cultural dentro del universo afrobrasileño. Ubicado cerca del centro de la ciudad, este gran lago artificial no solo es un atractivo turístico, sino también un testimonio vivo del pasado colonial, de las transformaciones urbanas y de la resistencia cultural afrodescendiente en Brasil.

Los orígenes del Dique se remontan al siglo XVII, durante el período colonial portugués. Se creó inicialmente como un reservorio de agua —un embalse— cuya función principal era garantizar el abastecimiento hídrico de la ciudad, así como servir de defensa natural.

El dique estaba vinculado al antiguo Sítio do Tororó, un conjunto de fortificaciones que protegían Salvador, entonces capital del Brasil colonial, de invasiones extranjeras. El sistema hidráulico permitía inundar áreas estratégicas en caso de ataque, actuando como un obstáculo natural.

Originalmente, el área circundante era una zona pantanosa. Con el tiempo se realizaron obras de ingeniería que dieron forma al lago tal como lo conocemos hoy. Su estructura histórica refleja técnicas coloniales de contención y manejo del agua.

Uno de los elementos más famosos del Dique do Tororó son las esculturas de orixás, creadas por el artista bahiano Tati Moreno en 1998.

Se trata de ocho figuras flotantes, de gran tamaño que representan a divinidades del candomblé, religión de origen yoruba profundamente arraigada en Salvador. Entre ellas destacan Oxalá, Iemanjá, Xangô, Oxum, Ogun, Iansã, Oxóssi y Nanã.

Estas esculturas transformaron el dique en un santuario a cielo abierto, donde arte público, espiritualidad y memoria afrobrasileña conviven de forma orgánica.

El conjunto es un poderoso reconocimiento de la herencia africana en Bahía y un símbolo de resistencia cultural frente a siglos de discriminación.

Hoy, el Dique do Tororó es un espacio multifuncional. Un punto destacado en rutas patrimoniales y religiosas. Un lugar frecuentemente utilizado para eventos, caminatas, espectáculos y celebraciones afrobrasileñas.

El Ballet Folclórico da Bahía

El Balé Folclórico da Bahia (BFB) fue creado en 1988 por Walson (Vavá) Botelho y Ninho Reis y desde entonces ha presentado un importante plan de actividades, especialmente premios y giras nacionales e internacionales, y un considerable prestigio reflejado en la respuesta de críticos, público y expertos.

La técnica-interpretativa natural de sus miembros se debe al hecho de que Bahía es la región de Brasil donde podemos encontrar manifestaciones populares en la vida cotidiana de su gente y es por eso que el Balé Folclórico da Bahia eligió tales manifestaciones como tema de su investigación, demostrándolos a través de la danza, la música y otros aspectos que componen el espectáculo, convirtiéndose así en la fuente de la autenticidad de las coreografías presentadas.

En 2003 el Balé Folclórico da Bahia se convirtió en parte de los proyectos sociales de la Fundación Balé Folclórico da Bahia, una institución privada sin fines de lucro creada en ese año con el propósito de ofrecer y mantener una escuela de danza folclórica para estudiantes y profesores de danza donde reciben las más variadas orientaciones en técnica de danza afrobrasileña, ballet clásico, danza moderna, capoeira, música y teatro.

Bajo la dirección artística de José Carlos Santos (Zebrinha) desde 1993, el trabajo realizado por la Fundación BFB ha elevado y mejorado el nivel técnico de sus participantes, resultando en el reconocimiento y cumplidos de los profesionales y críticos de danza más exigentes del mundo, lo que le valió elogios por esta actuación durante 1996 – el «Premio Mambembão» – ofrecido por el Ministerio de Cultura a la mejor preparación técnica de danza en el país ese año.

Para preservar y difundir, en su estado más puro, las principales manifestaciones folclóricas de Bahía, el Balé Folclórico da Bahia ha desarrollado un lenguaje escénico que básicamente parte de los aspectos populares de la cultura bahiana que llegan al mundo contemporáneo, sin perder sus raíces, por lo que no se distancia de la realidad nacional.

Con sede en Salvador, BFB hizo su debut durante el Joinville Dance Festival, incluso antes de su lanzamiento oficial, cuando más de 20.000 personas aplaudieron el espectáculo «Bahía de Todos los Colores». El éxito inmediato se extendió y atrajo invitaciones a presentaciones en otros festivales en todo el país.

Con un programa de actividades siempre programado con mucha anticipación, BFB también se presenta en el Teatro Miguel Santana, sede de la Fundación BFB en Pelourinho, Centro Histórico de Salvador, para satisfacer la demanda de un público que visita Salvador con el deseo de conocer más profundamente la cultura popular bahiana, allí mostrada de manera digna y auténtica.

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_{^{Texto y fotos AfroKuba}}

Coincidiendo con la inauguración de la exposición del programa ECO, LAArte, en colaboración con el Seminario de Estudios Críticos de Arte Contemporáneo, el profesor Miguel Ángel García Velasco compartió el pasado 5 de noviembre de 2025 con artistas, investigadores, cineastas y académicos reunidos en el Auditorio de Posgrado del Instituto de Artes y Comunicación Social.

En el campus de Gragoatá, uno de los principales recintos de la Universidad Federal Fluminense (UFF), ubicado en Niterói, estado de Río de Janeiro, Brasil, García Velasco abordó temas relacionados con el jazz afrocubano, la danza moderna y las experiencias de las mujeres afrocubanas.

Coordinado por el Doctor en Artes Visuales, Ítalo Bruno Alves, participaron en el encuentro Luis Guilherme Vergara, Doctor en Artes Visuales y uno de los curadores más importantes del Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, realizado por Oscar Niemeyer.

También los artistas Ricardo Pimenta Méndes, creador y fundador de la Galería do Poste; la poetisa Clarisse Tarrán y el performer Eduardo Mariz.

Se unieron además el diseñador visual José Javier P. Pedrosa, la artista visual Ana Klaus y la profesora, curadora de arte y crítica Concepción R. Pedrosa Morgado.

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