En San Lorenzo de El Escorial, en plena sierra madrileña, se conserva uno de los patrimonios sonoros más extraordinarios para comprender la historia musical de Cuba, el Caribe y América Latina: la Colección Gladys Palmera, creada por Alejandra Fierro Eleta, conocida internacionalmente como Gladys Palmera.

Desde 2006, este archivo tiene su sede en San Lorenzo de El Escorial y se ha convertido en un espacio de preservación, investigación y divulgación de la memoria musical iberoamericana. La Fundación Gladys Palmera lo define actualmente como el mayor archivo discográfico y documental especializado en música afrolatina y caribeña.

Sus fondos reúnen cerca de 60.000 discos de vinilo y pizarra y unos 50.000 CD, además de fotografías, partituras, carteles, programas, libros, revistas, cintas, vídeos, objetos personales y una extensa memorabilia relacionada con la historia de la música.

Pero para un investigador cubano hay un aspecto que convierte este archivo en un lugar excepcional: la dimensión de su colección de música cubana y, particularmente, afrocubana.

De los primeros registros sonoros a la Cuba contemporánea

Recorrer los fondos cubanos de la Colección Gladys Palmera significa atravesar prácticamente toda la historia de la música grabada de nuestro país. Sus archivos permiten seguir la evolución de la discografía cubana desde los primeros tiempos del registro sonoro hasta las producciones contemporáneas.

La propia Fundación destaca que, como en ningún otro archivo, allí se conserva la discografía en discos de la música cubana realizada dentro y fuera de la Isla, antes y después de 1959, incluyendo las producciones realizadas por músicos cubanos establecidos en diferentes países. Esta ausencia de fronteras políticas, geográficas o temporales es precisamente uno de los elementos que otorgan al fondo cubano un valor documental excepcional.

Dentro de este recorrido histórico aparece una pieza extraordinariamente temprana asociada a “Cuba Libre”, situada en el contexto de 1898 y de la lucha independentista cubana. La existencia de obras musicales con ese título está documentada en fuentes de la época, vinculadas al imaginario de la independencia y a formas musicales como la danza.

Este punto de partida permite comprender la magnitud histórica del recorrido: más de un siglo de música cubana preservada a través de sus soportes originales.

Los antiguos discos de pizarra de 78 rpm dan paso a los formatos posteriores: sencillos, LP, vinilos de 45 y 33 rpm, cintas, discos compactos y registros correspondientes a las sucesivas transformaciones de la industria musical. No estamos, por tanto, ante una simple acumulación de discos, sino ante una verdadera arqueología de la memoria sonora cubana.

Una historia de Cuba contada a través de sus músicas

En sus estanterías puede seguirse la transformación de géneros que cambiaron definitivamente la historia musical del siglo XX: el son, el bolero, la rumba, el danzón, el mambo, el chachachá, el jazz afrocubano y las múltiples derivaciones que terminarían dialogando con la salsa y con otras expresiones musicales del Caribe y las Américas.

Las grabaciones permiten escuchar no solamente a los grandes intérpretes y orquestas, sino reconstruir épocas, estilos de interpretación, instrumentaciones, casas discográficas y transformaciones tecnológicas.

La Colección permite, por ejemplo, asistir mediante grabaciones centenarias al surgimiento y desarrollo de ritmos como el son montuno, así como recorrer históricamente el bolero, el mambo, el chachachá y otras expresiones fundamentales de la música cubana y caribeña.

Pero existe otro aspecto que para Afrokuba resulta esencial: detrás de buena parte de esa extraordinaria producción musical se encuentra la profunda matriz africana de la cultura cubana.

Los tambores, las claves, las estructuras rítmicas, los cantos responsoriales y las memorias rituales procedentes de las culturas yoruba, arará, bantú, abakuá y de las tradiciones franco-haitianas forman parte de ese inmenso laboratorio cultural que dio origen a muchas de las expresiones que hoy identificamos internacionalmente como música cubana.

Por ello, estudiar estos discos significa también estudiar los procesos de resistencia, transformación y continuidad de las culturas africanas y afrodescendientes en Cuba.

Mucho más que discos

Una de las virtudes fundamentales de Gladys Palmera es que el disco no aparece aislado de su contexto histórico.

Fotografías, partituras, revistas, carteles, anuncios publicitarios, programas, libros, documentos gráficos y objetos vinculados con los artistas permiten reconstruir el universo cultural dentro del cual cada grabación fue producida.

De esta manera podemos observar no solamente cómo sonaba Cuba, sino también cómo se representaba visualmente su música, cómo evolucionaron las portadas de los discos, cómo funcionaban las compañías discográficas, cómo se promocionaban los artistas y de qué manera la música cubana comenzó a circular internacionalmente.

La Colección se convierte así en una herramienta extraordinaria para musicólogos, historiadores, antropólogos, periodistas, cineastas, coleccionistas y nuevas generaciones de investigadores.

Alejandra Fierro: preservar una memoria continental

Detrás de este inmenso proyecto se encuentra la visión de Alejandra Fierro Eleta, Gladys Palmera, quien durante más de tres décadas ha construido un archivo que continúa enriqueciéndose mediante adquisiciones realizadas en más de cuarenta países.

Coleccionar adquiere aquí otra dimensión: localizar, recuperar, clasificar, restaurar, digitalizar, investigar y devolver a la sociedad documentos sonoros que de otro modo podrían desaparecer.

Por esa razón, Gladys Palmera debe ser entendida también como una institución de salvaguarda de la memoria.

Afrokuba ante un archivo imprescindible

Para el Proyecto Etnovisual Afrokuba, cuya razón de ser desde su fundación ha sido rescatar y devolver visibilidad a protagonistas, músicas, danzas y memorias afrodescendientes, acceder a este archivo tiene un significado muy particular.

Mi acercamiento a la Colección Gladys Palmera no ha sido únicamente el de un visitante frente a miles de discos. Ha sido el encuentro de un investigador con una parte fundamental de la memoria sonora de su propio país.

Dentro de esta relación ocupa un lugar especial la investigación sobre las históricas grabaciones de campo realizadas por Lydia Cabrera y Josefina Tarafa en 1956 y 1957, registros fundamentales para el estudio de las músicas rituales afrocubanas. Aquellas investigaciones documentaron un universo mucho más amplio que el de los tambores batá: aparecen también expresiones arará, abakuá, tambores de guerra, conjuntos de güiros y otros testimonios de enorme valor etnomusicológico.

Precisamente uno de los fundamentos de Afrokuba es localizar este tipo de tesoros, investigar su procedencia, identificar a sus protagonistas y contribuir a que estas memorias regresen también a Cuba y a instituciones como el Museo Nacional de la Música.

Una colección que continúa escribiendo su historia

Durante mi visita a San Lorenzo de El Escorial, Afrokuba tuvo además el privilegio de incorporar una pequeña pieza a esta gigantesca historia: hice entrega a la Colección Gladys Palmera del fonograma Lo mejor de Berta Armiñán, mi primera producción discográfica, junto con una copia del diploma correspondiente al Premio Especial de Investigación Cubadisco 2026.

El disco constituye un documento dedicado a preservar la tradición musical franco-haitiana del oriente cubano y, con su incorporación al archivo, esta expresión cultural entra también a formar parte de una colección concebida para conservar la pluralidad de las músicas de Cuba.

El gesto posee para mí un profundo significado simbólico: una tradición transmitida durante generaciones por comunidades descendientes de haitianos en Cuba encuentra ahora un lugar dentro de uno de los grandes archivos internacionales de la memoria musical afrolatina.

Desde aquellos testimonios sonoros vinculados a la Cuba de finales del siglo XIX hasta las producciones del siglo XXI, existe un inmenso arco histórico.

En sus extremos están el nacimiento de la grabación sonora cubana y nuestro presente.

En medio se encuentra más de un siglo de creadores, cantantes, instrumentistas, compositores, sacerdotes, portadores tradicionales, investigadores, productores y comunidades que hicieron posible una de las culturas musicales más influyentes del mundo.

La Colección Gladys Palmera, en San Lorenzo de El Escorial, no conserva simplemente discos.

Conserva voces. Conserva ritmos. Conserva imágenes. Conserva historias. Conserva una parte esencial de la memoria de Cuba.

Y para quienes trabajamos por rescatar el patrimonio musical afrodescendiente, entrar en ese archivo significa comprender que cada viejo disco recuperado puede contener algo mucho más importante que una grabación: puede contener la voz de nuestros ancestros esperando volver a ser escuchada.

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“Cuba es un gran ajiaco”, así ha quedado registrada la célebre frase del sabio cubano Don Fernando Ortiz, encerrando en ella todo el amplio abanico cultural que conforma nuestra identidad. Y sin dudas, entre esa amalgama cultural que nos identifica está la música. Grandes figuras nos prestigian, basta solo con mencionar a Benny Moré, Arsenio Rodríguez, Paulina Álvarez, Miguel Matamoros y Celia Cruz, para confirmar la fuerza melódica que atesora la Isla.

Ahora ve la luz Veinte años y más. María Teresa Vera (1895-1965), un nuevo libro de la autoría de Jaime Masó Torres, que sale bajo la editorial Roque Libros, texto que nos revela la fecunda vida y carrera musical de esa otra gran figura de la canción folclórica cubana, que han dado en llamar la Madre de la Trova Cubana.

Una ardua labor investigativa nos regala Masó Torres desde las primeras páginas, con nuevos documentos que saca a la luz. Se puede conocer que aquella niña mestiza, de madre soltera y nieta de esclava, como se leen en los archivos parroquiales de su Guanajay natal, a la que dieron en llamar María Teresa Amalia Vera, había nacido el 5 de agosto de 1895 y no como aparecen en otros apuntes que dan por fecha febrero de ese mismo año.

El autor de Veinte años y más. María Teresa Vera (1895-1965) nos va contando, en orden cronológico, paralelamente a la vida y obra de la artista, todo lo que acontece, en materia social y político, en la mayor de la Antillas. Así supimos que, siendo aun pequeña, en 1902, llega a La Habana con su familia, tras un marcado retroceso en el desarrollo de la villa de Guanajay, a causa de acontecimientos que tienen lugar en el poblado natal.

Es la capital la que marca la indetenible carrera de María Teresa Vera. Aquí realiza su debut en 1911, conoce a compositores como Rosendo Ruiz, Patricio Ballagas, Eusebio Delfín, Sindo Garay, Miguel Companioni y Manuel Corona, entre otros. Además, integra dúos, tríos, cuartetos y septetos, graba discos y por más de 25 años trabaja con su inseparable Lorenzo Hierrezuelo. También estas páginas narran su participación en programas de radio y televisión y los viajes y giras que haría por Nueva York y México.

La compositora de la emblemática habanera Veinte años, cultivó, además, el son, la rumba, el bolero, la guaracha y la canción. Resumir tanta vida fecunda —que se atesora en estas poco más de 200 páginas, cargadas de documentos, recortes de prensa, fotografías, partituras—, sería imposible.

Con Veinte años y más. María Teresa Vera (1895-1965) Jaime Masó, licenciado en Periodismo por la Universidad de La Habana, vuelve a la carga en defensa de la auténtica música cubana —recordemos que en 2022 nos regaló Musicalísima Beatriz Márquez… un viaje de memorias—. Hoy nos entrega este volumen, en el que nos dice: “Mi objetivo central es que el texto ayude, en medida de lo posible, a conocer más sobre una figura cimera de la música cubana. Que sirva también de ayuda a investigadores, periodistas y a estudiantes. Si el libro es útil, yo estaré realmente muy complacido”.

Veinte años y más. María Teresa Vera (1895-1965), de Jaime Masó Torres, es una invitación a conocer más de esta mujer que está arraigada, sin dudas, en la rica historia de la música cubana. Sus composiciones e interpretaciones llegan vibrantes a nuestros días, 60 años después de su muerte aquel 17 de diciembre de 1965, cuando contaba con 70 años de edad.

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Redacción AfroKuba

En el Cementerio Cristóbal Colón de La Habana se vivió recientemente un momento de profunda emoción y justicia simbólica: la develación de la tarja en memoria de Armando Valdés “El Loquillo”.

Gracias a la iniciativa del rumbero chileno Cristian Mauricio, varias personas se reunieron frente a la tumba que guarda los restos de una de las figuras más singulares, carismáticas y queridas de la rumba cubana.

Nacido en pleno corazón de La Habana, el 30 de noviembre de 1943, en el solar ubicado en Peñalver 14, en la plazoleta del barrio habanero de Los Sitios, fue cartero de profesión, pero sentía una gran pasión por la rumba, por lo que, en esos predios, fue considerado el «mejor quinto» de Cuba, durante los toques de tambor en carnavales habaneros o en cuanto festival de la rumba en los barrios junto a grandes exponentes de ese género.

Armando Valdés fue asesor y creador del segmento «La rumba no es como ayer», del programa «La supermusical latina», en Radio Metropolitana, en el cual hacía alusión a las grandes personalidades de la rumba en Cuba y el mundo, y la impronta del género en la Isla, tanto ayer como hoy día.

“El Loquillo” fue compositor de varios géneros, desde boleros, hasta la canción, pero se destacó con mayor influencia en la rumba. Grabó como colaborador en múltiples grupos, entre ellos se destaca «Diosa Africana», dedicada a la patrona de Cuba, popularizada por Justo Pelladito y el grupo Afroamérica.

También era el principal protagonista de la Peña de la Rumba «El sitiero ausente», en la plazoleta del barrio de Los Sitios, ubicada en Condesa y Antón Recio. Asimismo, creó un grupo infantil denominado «Los Tormentos de Los Sitios», que aprendían los vericuetos de la rumba de cajón.

Su excelencia para interpretar la rumba de cajón lo convirtió en un referente. En sus años mozos participó en estudios de actuación, uno de ellos la obra Amante y Penol, estrenada en 1972 por la destacada actriz y dramaturga Herminia Sánchez, Premio Nacional de Teatro 2019, con el Grupo de Teatro de Participación Popular (nacido en los muelles del Puerto de La Habana).

“El Loquillo” fue, ante todo, un hombre de barrio: sencillo, auténtico y profundamente respetado por su entrega sin límites a la rumba habanera.

Hijos, nietos, amigos y hermanos se dieron cita para rendirle tributo póstumo a quien escribió el nombre de la Rumba con letras de cajón y oro. Porque hay hombres que no se van…se quedan vibrando en cada toque, en cada coro, en cada cuero.

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