Después de cuatro años de intentos, finalmente pude visitar la histórica Maison Béjart en Bruselas, un lugar imprescindible para comprender una parte esencial de la historia de la danza contemporánea y, al mismo tiempo, un capítulo de enorme relevancia para las investigaciones que desarrolla AfroKuba sobre la presencia y el legado de los bailarines afrocubanos en el Ballet du XXe Siècle, la legendaria compañía fundada por Maurice Béjart.

Atravesar las puertas de esta casa, donde Béjart vivió, creó y concibió algunas de las obras más trascendentales de la danza del siglo XX, constituyó un momento profundamente emotivo. Recorrer sus salas, contemplar las fotografías, los documentos, los objetos personales y, sobre todo, permanecer en el estudio donde nacieron coreografías que hoy forman parte del patrimonio universal de la danza, fue un auténtico privilegio.

Para la historia de Cuba, este lugar posee además un significado especial. En sus espacios trabajaron y dejaron una huella imborrable destacados artistas cubanos como Jorge Lefebre, Julio Arozarena, Catherine Zuaznábar y Juan Enrique Jiménez, quienes posteriormente continuarían sus carreras en el Béjart Ballet Lausanne, cuando la compañía se trasladó a la ciudad suiza de Lausana.

Igualmente imprescindible resulta recordar a dos extraordinarios maestros y bailarines: Menia Martínez y el ruso-cubano Azari Plisetski, así como a la más universal de nuestras bailarinas, la mítica Loipa Araújo, figuras que integraron esta extraordinaria troupe de vanguardia que revolucionó la escena internacional durante la segunda mitad del siglo XX.

La visita también evocó la histórica relación de Maurice Béjart con Cuba. Su Ballet du XXe Siècle visitó La Habana, dejando una profunda impresión en varias generaciones de artistas cubanos. Según recordaba Pepe Coro, entonces jefe técnico de Danza Moderna de Cuba, el intercambio con los luminotécnicos de la compañía de Béjart aportó valiosas experiencias que posteriormente influyeron en los diseños de iluminación de obras emblemáticas como Sulkary y Okantomi, pilares de la danza moderna cubana.

La dimensión africana del pensamiento artístico de Maurice Béjart constituye otro aspecto esencial de su legado. Su vínculo con Senegal y la creación de la Escuela Mudra de Dakar evidenciaron su firme compromiso con el desarrollo de la danza en África. Por esa institución pasaron como maestros varios de los grandes artistas vinculados a Cuba, entre ellos Jorge Lefebre, Menia Martínez y Julio Arozarena, contribuyendo a la formación de nuevas generaciones de bailarines africanos.

Esta visita representa mucho más que un recorrido museístico. Es un reencuentro con una memoria compartida entre Europa, África y Cuba; una confirmación de que las trayectorias de nuestros artistas forman parte inseparable de la gran historia de la danza universal. Para Afrokuba, este espacio constituye una fuente imprescindible para continuar rescatando y difundiendo la extraordinaria contribución de los bailarines cubanos al movimiento internacional impulsado por Maurice Béjart.

Gracias, Maurice Béjart. Por abrir las puertas de una nueva concepción de la danza, por tender puentes entre culturas y continentes y porque, como tú mismo recordabas con orgullo, por tus venas también corría sangre senegalesa. Tu legado continúa inspirando a quienes creemos que la danza es, ante todo, un lenguaje universal capaz de unir pueblos, memorias e identidades.

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La Maison Béjart : un retour aux sources d’un héritage partagé

Professeur Miguel Ángel García Velasco

Après quatre années de démarches et de tentatives, j’ai enfin eu le privilège de visiter la mythique Maison Béjart à Bruxelles, un lieu incontournable pour comprendre une partie essentielle de l’histoire de la danse contemporaine et, en même temps, un espace fondamental pour les recherches menées par Afrokuba sur la présence et l’héritage des danseurs afro-cubains au sein du Ballet du XXe Siècle, la compagnie légendaire fondée par Maurice Béjart.

Franchir le seuil de cette demeure où Béjart a vécu, aimé, enseigné et créé plusieurs des œuvres majeures du XXᵉ siècle fut un moment d’une profonde émotion. Parcourir ses salles, admirer les photographies, les archives, les objets personnels, et surtout pénétrer dans le studio où sont nées des chorégraphies devenues aujourd’hui un patrimoine universel de la danse, représente un privilège exceptionnel.

Pour Cuba, cette maison possède une valeur historique toute particulière. C’est ici que travaillèrent et laissèrent leur empreinte de remarquables artistes cubains tels que Jorge Lefebre, Julio Arozarena, Catherine Zuaznábar et Juan Enrique Jiménez, qui poursuivront ensuite leur carrière au sein du Béjart Ballet Lausanne, après le transfert de la compagnie dans la ville suisse de Lausanne.

Il convient également de rendre hommage à deux immenses maîtres et danseurs, Menia Martínez et le danseur russo-cubain Azari Plisetski, sans oublier la plus universelle de nos ballerines, la légendaire Loipa Araújo, qui firent tous partie de cette extraordinaire troupe d’avant-garde ayant profondément marqué la danse internationale de la seconde moitié du XXᵉ siècle.

Cette visite ravive également le souvenir des liens historiques entre Maurice Béjart et Cuba. Son Ballet du XXe Siècle se produisit à La Havane, laissant une empreinte durable sur plusieurs générations d’artistes cubains. Selon Pepe Coro, alors chef technique de Danza Moderna de Cuba, les échanges avec les concepteurs lumière de la compagnie de Béjart constituèrent une source d’inspiration déterminante pour les créations lumineuses de chefs-d’œuvre tels que Sulkary et Okantomi, devenus des références majeures de la danse moderne cubaine.

La dimension africaine de la pensée artistique de Maurice Béjart constitue également un aspect essentiel de son héritage. Son engagement au Sénégal, avec la fondation de l’École Mudra Afrique à Dakar, témoigne de sa volonté de transmettre son savoir et de contribuer au développement de la danse sur le continent africain. Plusieurs artistes cubains liés à son œuvre, parmi lesquels Jorge Lefebre, Menia Martínez et Julio Arozarena, y enseignèrent, participant ainsi à la formation de nouvelles générations de danseurs africains.

Cette visite dépasse largement le cadre d’une simple découverte muséale. Elle représente un retour aux sources d’une mémoire commune entre l’Europe, l’Afrique et Cuba, ainsi qu’une confirmation que les parcours de nos artistes appartiennent pleinement à l’histoire universelle de la danse. Pour Afrokuba, la Maison Béjart constitue désormais une étape incontournable dans le travail de sauvegarde et de valorisation de la contribution exceptionnelle des danseurs cubains à l’œuvre de Maurice Béjart et à l’histoire mondiale de la danse.

Merci, Maurice Béjart. Merci d’avoir ouvert de nouveaux horizons à l’art chorégraphique, d’avoir construit des ponts entre les cultures et les continents, et parce que, comme vous l’affirmiez avec fierté, du sang sénégalais coulait aussi dans vos veines. Votre héritage continue d’inspirer tous ceux qui considèrent la danse comme un langage universel, capable d’unir les peuples, les mémoires et les identités.

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El nuevo espacio multidisciplinario Estudio 50 acogió recientemente la presentación de Crucigrama, working in progress del coreógrafo cubano Norge Cedeño, una propuesta que formará parte de una obra mayor que, según adelantó su creador, llevará por título Puzzle.

La muestra tuvo lugar ante un auditorio integrado por destacadas figuras de la danza cubana, entre ellas el Premio Nacional de Danza Santiago Alfonso y Susana Pous, directora de MICOMPAÑIA, así como otros creadores, investigadores y especialistas vinculados al panorama coreográfico nacional, lo que convirtió la presentación en un espacio de observación y diálogo particularmente significativo.

Más que una obra concluida, Crucigrama se reveló como un laboratorio de ideas en movimiento. Desde su propio título, la pieza sugiere la existencia de múltiples trayectorias de lectura, de encuentros y desencuentros entre cuerpos, memorias y símbolos que buscan articular un sentido común sin renunciar a la fragmentación. El escenario se convierte así en un territorio de interrogantes donde cada gesto parece funcionar como una palabra incompleta dentro de una estructura mayor aún en proceso de revelación.

En esta primera aproximación pueden advertirse algunas de las preocupaciones que han acompañado la trayectoria creativa de Norge Cedeño: la exploración de la identidad contemporánea, las tensiones entre individuo y colectividad, así como la búsqueda de nuevas arquitecturas del movimiento capaces de dialogar con la complejidad emocional de nuestro tiempo. El cuerpo aparece como un espacio de escritura donde las acciones, lejos de ofrecer respuestas definitivas, abren caminos de interpretación.

Resulta particularmente sugerente que el creador haya concebido Crucigrama como parte de una futura obra titulada Puzzle. La relación entre ambos conceptos no parece casual. Si el crucigrama propone el desafío de encontrar conexiones ocultas entre signos dispersos, el rompecabezas implica la construcción de una imagen total a partir de fragmentos aparentemente inconexos. En ambos casos emerge una reflexión sobre la necesidad de recomponer sentidos en una época marcada por la dispersión y la incertidumbre.

La atmósfera íntima y experimental de Estudio 50 favoreció una recepción cercana de la propuesta, permitiendo apreciar los procesos de búsqueda que habitan la creación antes de alcanzar su forma definitiva. Precisamente ahí radicó uno de los mayores valores de la presentación: compartir con el público no solo una obra, sino también las preguntas, riesgos y desafíos que acompañan el acto creativo.

Crucigrama deja la impresión de estar ante una investigación coreográfica que apuesta por el pensamiento en movimiento y por la construcción de una dramaturgia abierta, donde cada fragmento conserva su autonomía sin perder la posibilidad de integrarse a un discurso mayor. Habrá que esperar el desarrollo de Puzzle para descubrir la imagen completa; sin embargo, este adelanto confirma que la búsqueda artística de Norge Cedeño continúa transitando territorios de experimentación y profundidad conceptual dentro del panorama de la danza cubana contemporánea.

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Cotonou, Benín. — El Centro de Danza Multicorps acogió una conferencia ilustrada dedicada a la historia de la danza moderna cubana y su profunda impronta afrocubana, impartida por el profesor y cineasta Miguel Ángel García Velasco, todo un recorrido sensible y riguroso por uno de los capítulos más influyentes de la creación escénica del Caribe y su diálogo permanente con África.

La sesión trazó el legado fundacional de Ramiro Guerra, creador de la danza moderna en Cuba, subrayando su visión integradora del cuerpo, el ritmo y la memoria ancestral, así como la centralidad del tambor afrocubano como herramienta pedagógica y poética.

En este linaje creativo se destacó la figura de su alumno aventajado, Eduardo Rivero, coreógrafo que llevó esa herencia a una síntesis madura y universal.

El punto culminante fue la proyección y análisis del documental Sulkary, obra emblemática que, medio siglo después, sigue revelando la potencia estética y espiritual de la danza afrocubana.

La presentación propuso una lectura contemporánea del filme, conectando sus imágenes con los procesos formativos actuales y con la vigencia de sus principios técnicos y simbólicos.

Bajo el sugerente eje Rivero cabalgando en el Benín que imaginó, la conferencia estableció un puente sensible entre Cuba y Benín: el retorno simbólico de una danza que, nacida del mestizaje y la memoria africana, vuelve a dialogar con las fuentes que la inspiraron.

Este encuentro reafirmó a Cotonou como espacio de intercambio vivo entre tradición y creación contemporánea.

La actividad reunió a estudiantes, docentes, investigadores y artistas, consolidando al Centro de Danza Multicorps como plataforma clave para la reflexión, la transmisión y la circulación de saberes coreográficos entre África y el Caribe.

#AfroKubaEnBenin #Benin #AfroKuba

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^{Texto y Fotos: AfroKuba}

El Dique do Tororó es uno de los espacios más simbólicos de Salvador de Bahía, tanto por su relevancia histórica como por su profundo significado cultural dentro del universo afrobrasileño. Ubicado cerca del centro de la ciudad, este gran lago artificial no solo es un atractivo turístico, sino también un testimonio vivo del pasado colonial, de las transformaciones urbanas y de la resistencia cultural afrodescendiente en Brasil.

Los orígenes del Dique se remontan al siglo XVII, durante el período colonial portugués. Se creó inicialmente como un reservorio de agua —un embalse— cuya función principal era garantizar el abastecimiento hídrico de la ciudad, así como servir de defensa natural.

El dique estaba vinculado al antiguo Sítio do Tororó, un conjunto de fortificaciones que protegían Salvador, entonces capital del Brasil colonial, de invasiones extranjeras. El sistema hidráulico permitía inundar áreas estratégicas en caso de ataque, actuando como un obstáculo natural.

Originalmente, el área circundante era una zona pantanosa. Con el tiempo se realizaron obras de ingeniería que dieron forma al lago tal como lo conocemos hoy. Su estructura histórica refleja técnicas coloniales de contención y manejo del agua.

Uno de los elementos más famosos del Dique do Tororó son las esculturas de orixás, creadas por el artista bahiano Tati Moreno en 1998.

Se trata de ocho figuras flotantes, de gran tamaño que representan a divinidades del candomblé, religión de origen yoruba profundamente arraigada en Salvador. Entre ellas destacan Oxalá, Iemanjá, Xangô, Oxum, Ogun, Iansã, Oxóssi y Nanã.

Estas esculturas transformaron el dique en un santuario a cielo abierto, donde arte público, espiritualidad y memoria afrobrasileña conviven de forma orgánica.

El conjunto es un poderoso reconocimiento de la herencia africana en Bahía y un símbolo de resistencia cultural frente a siglos de discriminación.

Hoy, el Dique do Tororó es un espacio multifuncional. Un punto destacado en rutas patrimoniales y religiosas. Un lugar frecuentemente utilizado para eventos, caminatas, espectáculos y celebraciones afrobrasileñas.

El Ballet Folclórico da Bahía

El Balé Folclórico da Bahia (BFB) fue creado en 1988 por Walson (Vavá) Botelho y Ninho Reis y desde entonces ha presentado un importante plan de actividades, especialmente premios y giras nacionales e internacionales, y un considerable prestigio reflejado en la respuesta de críticos, público y expertos.

La técnica-interpretativa natural de sus miembros se debe al hecho de que Bahía es la región de Brasil donde podemos encontrar manifestaciones populares en la vida cotidiana de su gente y es por eso que el Balé Folclórico da Bahia eligió tales manifestaciones como tema de su investigación, demostrándolos a través de la danza, la música y otros aspectos que componen el espectáculo, convirtiéndose así en la fuente de la autenticidad de las coreografías presentadas.

En 2003 el Balé Folclórico da Bahia se convirtió en parte de los proyectos sociales de la Fundación Balé Folclórico da Bahia, una institución privada sin fines de lucro creada en ese año con el propósito de ofrecer y mantener una escuela de danza folclórica para estudiantes y profesores de danza donde reciben las más variadas orientaciones en técnica de danza afrobrasileña, ballet clásico, danza moderna, capoeira, música y teatro.

Bajo la dirección artística de José Carlos Santos (Zebrinha) desde 1993, el trabajo realizado por la Fundación BFB ha elevado y mejorado el nivel técnico de sus participantes, resultando en el reconocimiento y cumplidos de los profesionales y críticos de danza más exigentes del mundo, lo que le valió elogios por esta actuación durante 1996 – el «Premio Mambembão» – ofrecido por el Ministerio de Cultura a la mejor preparación técnica de danza en el país ese año.

Para preservar y difundir, en su estado más puro, las principales manifestaciones folclóricas de Bahía, el Balé Folclórico da Bahia ha desarrollado un lenguaje escénico que básicamente parte de los aspectos populares de la cultura bahiana que llegan al mundo contemporáneo, sin perder sus raíces, por lo que no se distancia de la realidad nacional.

Con sede en Salvador, BFB hizo su debut durante el Joinville Dance Festival, incluso antes de su lanzamiento oficial, cuando más de 20.000 personas aplaudieron el espectáculo «Bahía de Todos los Colores». El éxito inmediato se extendió y atrajo invitaciones a presentaciones en otros festivales en todo el país.

Con un programa de actividades siempre programado con mucha anticipación, BFB también se presenta en el Teatro Miguel Santana, sede de la Fundación BFB en Pelourinho, Centro Histórico de Salvador, para satisfacer la demanda de un público que visita Salvador con el deseo de conocer más profundamente la cultura popular bahiana, allí mostrada de manera digna y auténtica.

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_{^{Texto y fotos AfroKuba}}

Coincidiendo con la inauguración de la exposición del programa ECO, LAArte, en colaboración con el Seminario de Estudios Críticos de Arte Contemporáneo, el profesor Miguel Ángel García Velasco compartió el pasado 5 de noviembre de 2025 con artistas, investigadores, cineastas y académicos reunidos en el Auditorio de Posgrado del Instituto de Artes y Comunicación Social.

En el campus de Gragoatá, uno de los principales recintos de la Universidad Federal Fluminense (UFF), ubicado en Niterói, estado de Río de Janeiro, Brasil, García Velasco abordó temas relacionados con el jazz afrocubano, la danza moderna y las experiencias de las mujeres afrocubanas.

Coordinado por el Doctor en Artes Visuales, Ítalo Bruno Alves, participaron en el encuentro Luis Guilherme Vergara, Doctor en Artes Visuales y uno de los curadores más importantes del Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, realizado por Oscar Niemeyer.

También los artistas Ricardo Pimenta Méndes, creador y fundador de la Galería do Poste; la poetisa Clarisse Tarrán y el performer Eduardo Mariz.

Se unieron además el diseñador visual José Javier P. Pedrosa, la artista visual Ana Klaus y la profesora, curadora de arte y crítica Concepción R. Pedrosa Morgado.

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Las estrellas han brillado mejor en el emblemático cabaret Tropicana bajo la dirección artística de Santiago Alfonso. La autenticidad de sus coreografías con los mejores géneros y ritmos cubanos, fascinaron al mundo. Fue el Rey Midas que devolvió la gloria a Tropicana.  Conocer a Santiago es percibir la fuerza de nuestra identidad. Un alma de raíz y una conciencia espiritual clara, que enseña las esencias de lo cubano con originalidad y virtuosismo.

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Afrokuba se prestigia con las palabras de uno de los grandes de la danza mundial, el genial bailarín y coreógrafo cubano Julio Arozarena quien sigue mostrando al mundo su ilimitado ingenio creativo.

Compartimos en exclusiva sus declaraciones para Afrokuba sobre la coreografía Polymér

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Para más información visitar el perfil en Facebook Compañía Rosario Cárdenas-Cuba.

“Comala” inspirada en la obra Pedro Páramo de Juan Rulfo, colocará en escena a bailarines de Cuba y Colombia para encontrar nuevas versiones del movimiento a partir de la belleza y corporalidad del Caribe.

Prestigiosos festivales y eventos danzarios de renombre en naciones como México, Venezuela, España, Australia, Jamaica, Hungría, Corea y otros países, llevan la huella imborrable de la Compañía Rosario Cárdenas a través de creaciones como “Del espectro nocturno”, “Bajo raíces”, “Noctario”, “María Viván”, entre otras. Con 33 años de creada, la Compañía sigue surcando los caminos de la creación danzaría apegada a una técnica y estilo que la hacen única.

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