Existen artistas que pertenecen a la historia de la cultura. Y existen otros que terminan convirtiéndose en cultura ellos mismos. Juana Bacallao pertenece a esta última categoría.

Tras revisionar este valioso documento audiovisual dedicado a su figura, resulta imposible no reconocer en Juana una de las expresiones más singulares del imaginario popular cubano del siglo XX y principios del XXI. Su vida y su arte desbordan cualquier clasificación convencional. Cantante, actriz, vedette, improvisadora, personaje público y cronista involuntaria de la cotidianidad cubana, Juana construyó una presencia escénica irrepetible.

El material nos conduce por una geografía humana donde la memoria individual se funde con la memoria colectiva. La niña humilde que ayudaba en los trabajos domésticos, la mujer que conquistó los escenarios nacionales e internacionales, y el personaje irreverente que hizo de la espontaneidad una forma de creación artística aparecen aquí como partes inseparables de una misma historia.

Particularmente reveladora resulta la idea que atraviesa toda la propuesta: Juana como metáfora de Cuba. Una Cuba marcada por la capacidad de sobrevivir, reinventarse y reír incluso en los momentos más difíciles. Una Cuba donde lo popular y lo culto dialogan constantemente, aunque muchas veces se les pretenda separar.

Desde la perspectiva de la etnomusicología audiovisual, este tipo de trabajos adquiere una importancia extraordinaria. No se trata únicamente de preservar la trayectoria de una artista excepcional, sino de documentar los códigos culturales, las formas de expresión, los modos de hablar, las estrategias de humor y las narrativas populares que forman parte del patrimonio inmaterial de la nación.

La interpretación de Monse Duany aporta una dimensión adicional al proyecto, al asumir el reto de recrear una personalidad cuya fuerza escénica sigue profundamente arraigada en la memoria afectiva de varias generaciones de cubanos.

En Afrokuba entendemos que figuras como Juana Bacallao constituyen verdaderos archivos vivientes de la cultura popular. Sus gestos, sus frases, sus canciones y sus anécdotas forman parte de un legado que merece ser estudiado, documentado y transmitido. Porque Juana fue mucho más que una artista. Fue una manera de entender la cubanía.

Y quizás por ello sus palabras resuenan hoy con una fuerza especial: “Yo soy Juana. Una isla dentro de otra isla.”

Una frase que trasciende la metáfora para convertirse en definición de toda una época de la cultura cubana. Esta versión encajaría muy bien como texto de acompañamiento para el Canal Afrokuba, resaltando el valor patrimonial, antropológico y documental de Juana Bacallao, una línea que dialoga directamente con el trabajo de rescate de memoria cultural que vienes desarrollando desde hace años.

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El álbum Lo mejor de Berta Armiñán, realizado por Afrokuba y el Museo Nacional de la Música, recibió el Premio Especial Cubadisco 2026, en reconocimiento a una obra discográfica de extraordinario valor patrimonial y artístico para la cultura cubana y el folclore de raíces franco-haitianas.

La distinción honra la trascendental labor de la maestra Berta Armiñán, figura esencial en la preservación y transmisión de las tradiciones populares y de los cantos vinculados a la herencia haitiana en Cuba. Su legado artístico constituye una referencia imprescindible para varias generaciones de músicos, investigadores y cultores de nuestras raíces.

Durante la ceremonia, Miguel Ángel García Velasco agradeció profundamente a la maestra Berta Armiñán y a todo el equipo involucrado en la creación del fonograma, destacando el esfuerzo colectivo que hizo posible rescatar y preservar estos registros sonoros y biográficos de enorme valor cultural.

El realizador subrayó la importancia de estos registros fonográficos y documentales, capaces de transformar la manera de comprender y pensar a las cantantes populares cubanas desde la poesía, la sensibilidad y una profunda imaginación artística.

Por su parte, Cubadisco reconoció que esta producción constituye un aporte excepcional a la memoria sonora de la nación y expresó su orgullo al premiar a Miguel Ángel García Velasco por el trabajo desarrollado en Berta Armiñán, una obra que reivindica el valor de nuestras tradiciones y preserva una herencia cultural indispensable para Cuba y el Caribe.

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La provincia de Santiago de Cuba acogerá el I Simposio Danilo Orozco In Memoriam, un espacio de reflexión académica y cultural dedicado a las prácticas soneras, declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, y a la figura de Nené Manfugás. El evento reunirá a investigadores, músicos y especialistas que explorarán las múltiples dimensiones históricas, sociales y estéticas del Son cubano.

En este contexto, sobresale la participación del proyecto etnovisual AfroKuba, que aportará una perspectiva interdisciplinaria al estudio de las raíces culturales del género. El viernes 8 de mayo a las 12:30 p.m., los investigadores Miguel Ángel García Velasco y Yasmeani Salas Borrero presentarán la ponencia “Del canto franco haitiano al Son: Bertha Armiñán”, una propuesta que conecta la memoria sonora con herramientas audiovisuales contemporáneas.

La inclusión de AfroKuba en el programa subraya la relevancia de los enfoques etnográficos y visuales en la investigación musical actual, destacando cómo las herencias afrocaribeñas continúan modelando la identidad sonora del Caribe. Su trabajo se posiciona como un puente entre tradición y nuevas narrativas, enriqueciendo el debate académico del simposio.

El evento, organizado por diversas instituciones culturales cubanas, contará además con conferencias, paneles y presentaciones que abordan desde los inicios del Son en la industria fonográfica hasta sus expresiones contemporáneas y su impacto en las redes sociales.

El I Simposio Danilo Orozco In Memoriam se consolida así como una plataforma clave para el intercambio de saberes y la preservación del patrimonio musical cubano, donde propuestas como AfroKuba amplían los horizontes de investigación y visibilizan la riqueza de las raíces culturales afrodescendientes en la música.

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El pasado domingo 26 de abril, el escenario del Bird’s Eye Jazz Club se convirtió en territorio de pulsación afrolatina con la presentación del grupo Son Alarde, en una velada donde tradición, autoría y contemporaneidad dialogaron con naturalidad.

Bajo la dirección del músico cubano Alcides Toirac —proveniente del reconocido movimiento de la Nueva Trova Cubana— el proyecto se afirma desde una perspectiva creativa singular: la centralidad de la composición propia.

El repertorio se sustenta fundamentalmente en las obras del tresero suizo Olivier Gagneux y del propio Toirac, configurando una identidad sonora donde el son cubano y el latin jazz se reescriben desde una mirada contemporánea.

Como elemento distintivo, el grupo incorpora ritmos hoy poco frecuentados o casi olvidados —como el dengue, el sucu-sucu, el mambo y el pilón—, no desde la nostalgia, sino como una reactivación viva de la memoria musical.

En el formato íntimo del club, la agrupación logró una conexión directa con el público, evidenciando un trabajo consciente sobre la tradición como materia dinámica.

Una noche donde la raíz no se repite: se investiga, se crea y se proyecta.

Son Alarde in Basel: creation, memory, and Afro-Latin pulse

On Sunday, April 26, the stage of the Bird’s Eye Jazz Club became a space of Afro-Latin resonance with the performance of Son Alarde, in an evening where tradition, authorship, and contemporaneity engaged in a natural dialogue.

Under the direction of Cuban musician Alcides Toirac —emerging from the renowned Nueva Trova Cubana movement— the project stands out for a distinctive artistic approach: the centrality of original composition.

The repertoire is largely built on works by Swiss tres player Olivier Gagneux and Toirac himself, shaping a sonic identity where Cuban son and Latin jazz are reinterpreted through a contemporary lens.

A notable feature of the ensemble is its inclusion of rarely performed or nearly forgotten rhythms—such as dengue, sucu-sucu, mambo, and pilón—revived not as nostalgia, but as a living reactivation of musical memory.

Within the club’s intimate setting, the group established a direct connection with the audience, demonstrating a conscious and dynamic engagement with tradition.

A night where roots are not repeated, but researched, reimagined, and projected forward.

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La pianista suiza Manon Mullener se confirma hoy como una de las voces emergentes más sólidas del jazz europeo contemporáneo. Nacida en Friburgo en 1997, su trayectoria revela una identidad profundamente marcada por el cruce de culturas: formada entre Suiza y Cuba, su lenguaje musical dialoga con el jazz moderno, las sonoridades latinas y una sensibilidad narrativa que convierte cada composición en una historia viva.

Su universo creativo —alimentado por experiencias en La Habana, Nueva York y Europa— transita entre la improvisación, la memoria y el ritmo, integrando influencias que van desde el folklore suizo hasta las tradiciones afrocaribeñas. Sus álbumes recientes, como Stories, consolidan una estética donde el piano no solo interpreta, sino que cuenta, evoca y conecta territorios. 

El pasado 17 de abril, en el marco del prestigioso Cully Jazz Festival, Mullener se presentó en el escenario principal (Chapiteau) junto a su sexteto, abriendo una velada de alto nivel que compartió cartel con figuras como Richard Bona.

Su actuación reafirmó lo que ya es evidente en la escena: una artista de gran energía escénica, con un lenguaje expresivo y un groove que emerge del diálogo colectivo entre los instrumentos. Su música propone un viaje —de La Habana a Nueva York, pasando por sus raíces suizas— donde cada nota respira identidad, apertura y futuro.

En una edición que reunió a miles de espectadores y a lo mejor del jazz internacional, Mullener representó con fuerza la nueva generación del jazz helvético, confirmando que el relevo ya está en marcha.

Una artista a seguir, donde el piano se convierte en territorio de memoria, mestizaje y proyección global.

Manon Mullener: youth, roots, and a sonic journey at the Cully Jazz Festival

Swiss pianist Manon Mullener is emerging as one of the most compelling voices in contemporary European jazz. Born in Fribourg in 1997, her artistic path reflects a deeply cross-cultural identity: shaped between Switzerland and Cuba, her musical language bridges modern jazz, Latin influences, and a narrative sensitivity that turns each composition into a living story.

Her creative universe—nourished by experiences in Havana, New York, and across Europe—moves between improvisation, memory, and rhythm, weaving together influences ranging from Swiss folklore to Afro-Caribbean traditions. Her recent album Stories confirms a distinctive aesthetic where the piano does more than perform—it tells, evokes, and connects territories.

On April 17, as part of the renowned Cully Jazz Festival, Mullener took the main stage (Chapiteau) with her sextet, opening a high-caliber evening alongside artists such as Richard Bona.

Her performance reaffirmed what is already evident on today’s scene: a powerful stage presence, an expressive musical language, and a groove driven by collective interplay. Her music unfolds as a journey—from Havana to New York, through her Swiss roots—where every note breathes identity, openness, and future.

In an edition that brought together thousands of spectators and leading figures of international jazz, Mullener stood out as a strong representative of the new generation of Swiss jazz, confirming that the torch is already being passed.

An artist to watch, where the piano becomes a territory of memory, cultural fusion, and global projection.

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Hoy no despedimos a un hombre: lo entregamos. Lo devolvemos, con respeto y temblor, al regazo profundo de las aguas donde todo comienza.

Eduardo Roca Salazar, nuestro Choco, camina ahora hacia el horizonte donde habita Yemayá, la gran madre de los cubanos, la dueña de las aguas, la que acoge, limpia y devuelve la vida en otros ciclos. Allí, en ese diálogo íntimo que sostuvo en vida, vuelve a encontrarse con ella, como hijo fiel que regresa al vientre sagrado.

Y junto a ella, como faro y consuelo, la dulce y firme Virgen de la Caridad del Cobre, su Caridad, la que escucha en silencio las plegarias del pueblo, la que abraza a sus hijos en la fe sencilla que nunca se nombra pero siempre se siente.

Choco fue eso: fe sin alardes. Un hombre de transparencia rara, de palabra limpia, de gesto sin artificio. Un creador inmenso que, aun coronado por los más altos lauros de la nación, nunca abandonó la orilla de su pueblo. Allí donde el barro, la madera, el cuerpo y la memoria africana se vuelven imagen y signo, él sembró su obra como quien siembra vida.

Su arte no fue ornamento: fue testimonio. Fue canto callado a los ancestros, fue trazo de resistencia, fue huella de África latiendo en Cuba.

Hoy, mientras sus manos descansan, sus imágenes siguen hablando. Y en cada línea, en cada textura, en cada silencio de su obra, escuchamos todavía el murmullo del mar…
ese mismo mar que ahora lo recibe.

Que Yemayá lo cubra con su manto azul infinito.
Que la Caridad lo guíe en la travesía luminosa.
Que los ancestros lo nombren en su lengua antigua y lo sienten entre los suyos.

Nos queda su risa sencilla, su amistad de más de cincuenta años, su verdad sin sombra.
Nos queda, sobre todo, su permanencia.

Porque hombres como Choco no se van:
se vuelven agua, memoria y raíz.

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“Cuba es un gran ajiaco”, así ha quedado registrada la célebre frase del sabio cubano Don Fernando Ortiz, encerrando en ella todo el amplio abanico cultural que conforma nuestra identidad. Y sin dudas, entre esa amalgama cultural que nos identifica está la música. Grandes figuras nos prestigian, basta solo con mencionar a Benny Moré, Arsenio Rodríguez, Paulina Álvarez, Miguel Matamoros y Celia Cruz, para confirmar la fuerza melódica que atesora la Isla.

Ahora ve la luz Veinte años y más. María Teresa Vera (1895-1965), un nuevo libro de la autoría de Jaime Masó Torres, que sale bajo la editorial Roque Libros, texto que nos revela la fecunda vida y carrera musical de esa otra gran figura de la canción folclórica cubana, que han dado en llamar la Madre de la Trova Cubana.

Una ardua labor investigativa nos regala Masó Torres desde las primeras páginas, con nuevos documentos que saca a la luz. Se puede conocer que aquella niña mestiza, de madre soltera y nieta de esclava, como se leen en los archivos parroquiales de su Guanajay natal, a la que dieron en llamar María Teresa Amalia Vera, había nacido el 5 de agosto de 1895 y no como aparecen en otros apuntes que dan por fecha febrero de ese mismo año.

El autor de Veinte años y más. María Teresa Vera (1895-1965) nos va contando, en orden cronológico, paralelamente a la vida y obra de la artista, todo lo que acontece, en materia social y político, en la mayor de la Antillas. Así supimos que, siendo aun pequeña, en 1902, llega a La Habana con su familia, tras un marcado retroceso en el desarrollo de la villa de Guanajay, a causa de acontecimientos que tienen lugar en el poblado natal.

Es la capital la que marca la indetenible carrera de María Teresa Vera. Aquí realiza su debut en 1911, conoce a compositores como Rosendo Ruiz, Patricio Ballagas, Eusebio Delfín, Sindo Garay, Miguel Companioni y Manuel Corona, entre otros. Además, integra dúos, tríos, cuartetos y septetos, graba discos y por más de 25 años trabaja con su inseparable Lorenzo Hierrezuelo. También estas páginas narran su participación en programas de radio y televisión y los viajes y giras que haría por Nueva York y México.

La compositora de la emblemática habanera Veinte años, cultivó, además, el son, la rumba, el bolero, la guaracha y la canción. Resumir tanta vida fecunda —que se atesora en estas poco más de 200 páginas, cargadas de documentos, recortes de prensa, fotografías, partituras—, sería imposible.

Con Veinte años y más. María Teresa Vera (1895-1965) Jaime Masó, licenciado en Periodismo por la Universidad de La Habana, vuelve a la carga en defensa de la auténtica música cubana —recordemos que en 2022 nos regaló Musicalísima Beatriz Márquez… un viaje de memorias—. Hoy nos entrega este volumen, en el que nos dice: “Mi objetivo central es que el texto ayude, en medida de lo posible, a conocer más sobre una figura cimera de la música cubana. Que sirva también de ayuda a investigadores, periodistas y a estudiantes. Si el libro es útil, yo estaré realmente muy complacido”.

Veinte años y más. María Teresa Vera (1895-1965), de Jaime Masó Torres, es una invitación a conocer más de esta mujer que está arraigada, sin dudas, en la rica historia de la música cubana. Sus composiciones e interpretaciones llegan vibrantes a nuestros días, 60 años después de su muerte aquel 17 de diciembre de 1965, cuando contaba con 70 años de edad.

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A propósito del concierto Rompiendo la rutina de la de la Zurich Jazz Orchestra  en el reconocido club Moods con la participación especial del trompetista cubano Yasek Manzano, conversamos con este importante músico cubano, trompetista y compositor. Dotado de un virtuosismo reconocido dentro y fuera de Cuba, Manzano nació en La Habana y es una referencia en el mundo del jazz.

¿Quién es Yasek Manzano?

Yo creo que soy una combinación de muchas cosas y la música y el arte tienen un papel fundamental en la manera en que vivo mi vida. Lo digo desde el plano de la creatividad, desde la libertad, el crecimiento espiritual y en el plano de esa búsqueda constante.

Yo creo que Yasek Manzano es el avatar de un espíritu que está en búsqueda constantemente, procesando información y devolviéndola de una manera muy personal, de una manera muy particular, de una manera muy individual también, siempre con la intención de compartir y de conectar con otros artistas, con el público, con la naturaleza. Y, por supuesto, más que nada, conmigo mismo.

¿Por qué la trompeta?

La trompeta es solo una herramienta, un instrumento vigoroso, muy conectado a la historia de mi país y por supuesto está conectado a mi identidad como caribeño, cubano y muy conectado a la historia de todos los grandes trompetistas que han compartido escenas, de los que han surgido en mi país y de esos grandes que han llegado por información a través de discos.

La primera vez que escuché una trompeta que me estremeció, que me hizo desear hacer lo mismo como trompetista fue escuchando a Maynard Ferguson, luego de eso escuché Dizzy Gillespie, Arturo Sandoval. Fui conociendo a otros como Woody Shaw, Freddie Hubbard…

Cuando conocí al trompetista Bobby Carcassés, El Showman de Cuba, me introdujo dentro del jazz. Digamos que él ha sido mi descubridor en ese sentido. La trompeta es un instrumento que necesita aire y el aire es algo que viene, es el aliento. La trompeta tiene mucha simbología en la religión, en varias religiones, y es un instrumento que tiene esa característica por ser tan vigoroso. Siempre está estableciendo un llamado y el viento está implícito, es decir, es un elemento importante de la naturaleza y también simboliza un poco el alma.

La trompeta es un instrumento con el cual puedes desarrollar sonoridades muy diversas y puedes establecer muchos colores como espejos de ti mismo, a través de la expresión, de la improvisación, de la interpretación.

A mi me atraen los instrumentos de viento metal y hace dos años que estoy estudiando y tocando trombón, ya es parte de mi show el trombón clásico. Estoy estudiando tubas, corno francés… Todos los instrumentos de aliento para mi son fundamentales y busco otras sonoridades más oscuras como los instrumentos de viento metal graves.

Yo soy seguidor de muchos trombonistas, tuve la suerte también de tocar con Steve Turre; con el proyecto del Latin Jazz Hostal del maestro Orlando Valle, “Maraca”. Ese instrumento me fascinó y ahora pienso crear mi propia sonoridad y estoy estudiando seriamente para lograr tocar profesionalmente este instrumento.

¿Cómo sentiste la inclusión en este proyecto del Orquesta Jazz de Zurich?

Yo creo que es el factor de lo que pudo haber faltado. Es algo que yo pongo implícito en la manera en que puede desarrollar y crecer este proyecto. Por eso no veo carencia alguna en el repertorio que tocamos y la manera en que ellos abordaron nuestra música y la música brasileña también, que está implícita entre los arreglos que se presentaron. Creo que sí, podría decir, más que faltar, implementar o agregar algo serían partes de mis composiciones personales, con mi estilo cubano, dentro de las próximas presentaciones con la big band que parece que pueden ser muy posibles. Ya tengo la convocatoria para las próximas oportunidades y estoy contento por esa oportunidad, muy agradecido por lo que sucedió, por la invitación.

Ya hay proyectos, se está hablando informalmente de hacer arreglos de big band en mis propias composiciones y eso sería genial porque ya yo tengo mi sonoridad y creo que podría aportar algo también dentro del repertorio de esta emblemática orquesta de Jazz de Zurich. Creo que hicieron un excelente trabajo con la música cubana se sintió el sabor, se sintió además el músico que está muy entrenado por nuestros propios profesionales y artistas tanto profesionales como de la calle que eso es muy importante decirlo. Son músicos con un talento extraordinario con una capacidad increíble de interpretación en cualquier estilo y demostraron que pueden tocar la música cubana muy bien y eso es algo que se ve en los músicos también de la big band.

Creo que se puede incluir repertorios más complejos, más concretos, en la dirección del jazz contemporáneo cubano, porque se tocaron más estándares y clásicos de grandes compositores como el mismo Arturo, pero sería muy lindo también eso. Creo que hay una mentalidad muy abierta en ese sentido y hay un swing tremendo y muy buena vibra con la música cubana y hay una muy buena energía entre los mismos músicos. Se nota que es una orquesta que está establecida en el nivel profesional, pero también en el nivel de familia, son toda una familia y me sentí como invitado a la casa y eso para mí es un recuerdo que voy a guardar siempre y es un sueño también que he podido realizar y poder tocar con esta orquesta, con este alto nivel aquí en Suiza, estoy súper feliz por eso.

¿Es la primera vez que tocabas en el Moods?

Esta es la tercera vez que toco. La primera vez había tocado, creo que por casualidad, no sé si en un jam session o fue la segunda pero hice un concierto oficial con César Correa, un pianista excepcional también peruano, radicado aquí en Suiza.

Yasek Manzano: “I Am a Spirit in Constant Search”

By Prof. Miguel Ángel García Velasco

On the occasion of the concert Breaking the Routine by the Zurich Jazz Orchestra at the renowned Moods club, featuring special guest Cuban trumpeter Yasek Manzano, we spoke with this important Cuban musician, trumpeter, and composer. Endowed with virtuosity recognized both inside and outside Cuba, Manzano was born in Havana and is a reference in the world of jazz.

Who is Yasek Manzano?

I think I am a combination of many things, and music and art play a fundamental role in the way I live my life. I say this from the perspective of creativity, freedom, spiritual growth, and that constant search.

I believe Yasek Manzano is the avatar of a spirit that is constantly searching, processing information and giving it back in a very personal, very particular, very individual way—always with the intention of sharing and connecting with other artists, with the audience, with nature. And, above all, with myself.

Why the trumpet?

The trumpet is just a tool, a powerful instrument, deeply connected to the history of my country and, of course, to my identity as a Caribbean, as a Cuban. It is also strongly tied to the history of all the great trumpeters who have shared stages—those who emerged in my country and those great ones I discovered through recordings.

The first time I heard a trumpet that moved me, that made me want to do the same as a trumpeter, was when I listened to Maynard Ferguson. After that, I listened to Dizzy Gillespie, Arturo Sandoval. I kept discovering others like Woody Shaw, Freddie Hubbard…

When I met the trumpeter Bobby Carcassés, the Showman of Cuba, he introduced me to jazz. Let’s say he was my discoverer in that sense. The trumpet is an instrument that needs air, and air is something that comes—it is breath. The trumpet has a lot of symbolism in religion, in several religions, and it has that quality because it is so powerful. It is always making a call, and wind is implicit—it is an important element of nature and also symbolizes the soul.

The trumpet is an instrument through which you can develop very diverse sounds and create many colors as reflections of yourself, through expression, improvisation, and interpretation.

I am attracted to brass wind instruments, and for the past two years I have been studying and playing the trombone—it is now part of my show, the classical trombone. I am studying tubas, French horn… All wind instruments are fundamental to me, and I seek darker sounds such as those of low brass instruments.

I follow many trombonists, and I also had the chance to play with Steve Turre, in the Latin Jazz Hostel project led by maestro Orlando Valle, “Maraca.” That instrument fascinated me, and now I plan to create my own sound. I am seriously studying it in order to play it professionally.

How did you feel about being included in this Zurich Jazz Orchestra project?

I think it is the factor of what might have been missing—something I naturally bring into the way this project can develop and grow. That’s why I don’t see any lack in the repertoire we performed, or in how they approached our music and Brazilian music as well, which was part of the arrangements presented. If anything, rather than something missing, I would add elements from my own compositions, with my Cuban style, in future performances with the big band—which seem very possible. I have already been invited for future opportunities, and I am happy and very grateful for what happened.

There are already projects being discussed informally about arranging my own compositions for big band, and that would be wonderful because I already have my own sound, and I believe I could contribute something to the repertoire of this emblematic Zurich Jazz Orchestra.

I think they did an excellent job with Cuban music—you could feel the flavor. You could also feel that these are musicians who are very well trained by our own professionals and artists, both formally trained and street musicians, which is important to say. They are musicians with extraordinary talent and incredible ability to interpret any style, and they proved they can play Cuban music very well. That is something you also see in the big band musicians.

I think more complex and more specific repertoire could be included, in the direction of contemporary Cuban jazz. What was played leaned more toward standards and classics by great composers like Arturo, but it would also be very nice to expand in that direction. I think there is a very open mindset, a tremendous swing, and great energy with Cuban music. There is also a wonderful energy among the musicians themselves. You can tell it is an orchestra established not only at a professional level but also as a family—they are truly a family. I felt like a guest in their home, and that is something I will always remember. It is also a dream I have fulfilled—to play with this orchestra at such a high level here in Switzerland. I am extremely happy about that.

Was it your first time playing at Moods?

This is the third time I have played there. The first time, I think it was by chance—I’m not sure if it was at a jam session. The second time—or perhaps that was the second—I did an official concert with César Correa, an exceptional Peruvian pianist based here in Switzerland.

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La Zurich Jazz Orchestra presentó en el reconocido club Moods el concierto Rompiendo la rutina, una propuesta artística que trasciende el formato de big band para convertirse en una experiencia sonora de alcance transatlántico.

Con la participación especial del trompetista cubano Yasek Manzano, el programa articuló un recorrido musical que conectó tradiciones afrobrasileñas, el jazz moderno estadounidense, la riqueza rítmica cubana y la creación contemporánea europea.

El repertorio incluyó obras emblemáticas como Canto de Xangô, de Baden Powell y Vinicius de Moraes, así como Estamos Aí, de Durval Ferreira, piezas que evocan la profundidad espiritual y musical de las culturas afrobrasileñas.

A su vez, la interpretación de Moment’s Notice, de John Coltrane situó al público en el núcleo del jazz moderno, destacando su complejidad estructural y su dimensión expresiva.

La presencia de Yasek Manzano aportó una perspectiva contemporánea del jazz cubano, donde la improvisación dialoga con las raíces afrocubanas, consolidando un puente vivo entre tradición y modernidad.

El concierto se completó con composiciones originales y arreglos contemporáneos que reflejan el papel de la Zurich Jazz Orchestra como plataforma de innovación dentro del panorama europeo.

Rompiendo la rutina se configura así como una propuesta que no solo rompe con la repetición musical, sino que redefine el concierto como espacio de encuentro entre memorias culturales, lenguajes sonoros y territorios históricos.

Breaking the Routine: Zurich Jazz Orchestra builds a sonic bridge between Africa, the Americas and Europe at Moods Zürich

The Zurich Jazz Orchestra presented at the renowned Moods jazz club the concert Breaking the Routine, an artistic proposal that transcends the big band format to become a transatlantic musical experience.

Featuring Cuban trumpeter Yasek Manzano as special guest, the program offered a musical journey connecting Afro-Brazilian traditions, modern American jazz, Cuban rhythmic heritage, and contemporary European creation.

The repertoire included emblematic works such as Canto de Xangô by Baden Powell and Vinicius de Moraes, as well as Estamos Aí by Durval Ferreira—pieces that evoke the spiritual and musical depth of Afro-Brazilian cultures. The performance of Moment’s Notice by John Coltrane placed the audience at the core of modern jazz, highlighting its structural complexity and expressive power.

Yasek Manzano’s presence brought a contemporary Cuban jazz perspective, where improvisation dialogues with Afro-Cuban roots, establishing a living bridge between tradition and modernity.

The concert was completed with original compositions and contemporary arrangements, underscoring the Zurich Jazz Orchestra’s role as an innovative platform within the European jazz scene.

Breaking the Routine ultimately emerges as a proposal that not only challenges musical repetition, but also redefines the concert as a space where cultural memory, sonic languages, and historical territories converge.

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Redacción AfroKuba

En el Cementerio Cristóbal Colón de La Habana se vivió recientemente un momento de profunda emoción y justicia simbólica: la develación de la tarja en memoria de Armando Valdés “El Loquillo”.

Gracias a la iniciativa del rumbero chileno Cristian Mauricio, varias personas se reunieron frente a la tumba que guarda los restos de una de las figuras más singulares, carismáticas y queridas de la rumba cubana.

Nacido en pleno corazón de La Habana, el 30 de noviembre de 1943, en el solar ubicado en Peñalver 14, en la plazoleta del barrio habanero de Los Sitios, fue cartero de profesión, pero sentía una gran pasión por la rumba, por lo que, en esos predios, fue considerado el «mejor quinto» de Cuba, durante los toques de tambor en carnavales habaneros o en cuanto festival de la rumba en los barrios junto a grandes exponentes de ese género.

Armando Valdés fue asesor y creador del segmento «La rumba no es como ayer», del programa «La supermusical latina», en Radio Metropolitana, en el cual hacía alusión a las grandes personalidades de la rumba en Cuba y el mundo, y la impronta del género en la Isla, tanto ayer como hoy día.

“El Loquillo” fue compositor de varios géneros, desde boleros, hasta la canción, pero se destacó con mayor influencia en la rumba. Grabó como colaborador en múltiples grupos, entre ellos se destaca «Diosa Africana», dedicada a la patrona de Cuba, popularizada por Justo Pelladito y el grupo Afroamérica.

También era el principal protagonista de la Peña de la Rumba «El sitiero ausente», en la plazoleta del barrio de Los Sitios, ubicada en Condesa y Antón Recio. Asimismo, creó un grupo infantil denominado «Los Tormentos de Los Sitios», que aprendían los vericuetos de la rumba de cajón.

Su excelencia para interpretar la rumba de cajón lo convirtió en un referente. En sus años mozos participó en estudios de actuación, uno de ellos la obra Amante y Penol, estrenada en 1972 por la destacada actriz y dramaturga Herminia Sánchez, Premio Nacional de Teatro 2019, con el Grupo de Teatro de Participación Popular (nacido en los muelles del Puerto de La Habana).

“El Loquillo” fue, ante todo, un hombre de barrio: sencillo, auténtico y profundamente respetado por su entrega sin límites a la rumba habanera.

Hijos, nietos, amigos y hermanos se dieron cita para rendirle tributo póstumo a quien escribió el nombre de la Rumba con letras de cajón y oro. Porque hay hombres que no se van…se quedan vibrando en cada toque, en cada coro, en cada cuero.

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